LA LIBERTAD DESDE JAPÓN HASTA SUDÁN: LOS GANADORES DE PANORAMA 2019

POR: PATRICIA RÍOS

La primera película presentada por Panorama, sección de la Berlinale nacida en 1980, pero bautizada con su nombre actual hasta 1986, fue My Life as a Dog (1985) de Lasse Hallström, película nominada al Óscar a Mejor Dirección y Mejor Guion Adaptado de la novela autobiográfica de Reidar Jonsson. La película sigue a Ingemar, un chico que al vivir el deterioro de salud de su madre, se identifica con los perros, particularmente Laika, aquél que mandaron al espacio y lo dejaron a la deriva a que muriera de hambre.

Desde entonces, Panorama se ha encargado de abrir el horizonte de lo que vemos en las salas de cine, sin escatimar en reflexiones respecto al contexto social y político que se vive cada año, así como invitándonos a adentrarnos a las realidades familiares y personales más íntimas. Es así que la presente edición destacó por la problematización de la realidad del Siglo XXI en cuanto a racismo, migración, nihilismo y feminismo, pero también en la huida, forzada o autodeterminada, simbólica o material, mediante la cual diversos personajes se preguntarán sobre el rumbo de sus vidas.

My Life as a Dog (IMDb)

Liderado desde el año pasado por la filóloga y socióloga española Paz Lázaro, y con un equipo de programadores encabezado por Michael Stütz, Panorama presentó en esta edición 45 películas de 38 países diferentes, así como una selección de películas pasadas que, en el espíritu de inspiración y provocación, celebran los 40 años de esta sección. Esta programación es curada por el fundador del premio Teddy y el previo director de Panorama, Wieland Speck, quien recibió el Golden Camera de manos del director de la Berlinale, Dieter Kosslick, gracias a su trabajo dentro del festival.

Algunas de las películas que se retomarán en esta edición de aniversario tocan temas como las desapariciones en el régimen franquista como lo demuestra la película El Silencio de Otros, de Robert Bahar y Almudena Carracedo, ganadora de la reciente edición de los Premios Goya; los retratos como el homenaje a la artista drag underground International Chrysis en Split (1992) de Ellen Fischer Turk y Andrew Weeks; la libertad política en momentos del desmantelamiento del apartheid como The Man who Drove with Mandela (1987) de Greta Schiller; o la epidemia de VIH/SIDA de finales del Siglo XX como se presenta en el filme Jean Genet is Dead (1987) de Constantine Giannaris.

El Silencio de Otros (IMDb)

Después de 40 años, Panorama continúa siendo fiel a sus raíces, promoviendo el cuadro cinematográfico como un espacio de pasión artística, transgresión narrativa, crítica social, emancipación y hasta redención, poniendo bien en alto el poder del cine para dar voz a lo atrevido y disruptivo, y dando de la misma manera una propuesta que va más allá de lo convencional para todo amante del cine que busca algo nuevo.

Panorama arroja una luz al cambio, incesante pulso del ser humano, que late y bate en contra de todo para tener un presente mejor, ya sea en contra del exilio, el abandono, la discriminación, el odio, la apatía o de la muerte misma. Las películas galardonadas y exhibidas este año en Panorama resuenan con el poema de William Ernest Henley: el ser humano es el maestro de su destino, y el capitán de su alma.

Galardonados 2019

Dedicado a los amantes del cine, Panorama es un espacio particularmente dedicado a sus espectadores, los cuales se calculan en aproximadamente 20 mil asistentes que cada año escogen una película para ser galardonada con el Premio del Público. Este año el trabajo ganador en categoría de ficción fue 37 Seconds, mientras que Talking About Trees triunfó como documental (llevándose también el Premio Glashutte a Documental Original).

37 Seconds (IMDb)

37 Seconds, ópera prima de Hikari, es una película sobre una artista de manga, Yuma, una chica de 23 años que pasó 37 segundos sin respirar al nacer. A pesar de su talento, su editor en el estudio de ilustración le expresa una preocupación: cómo puede ella dibujar historietas eróticas si, debido a su parálisis cerebral, no puede tener una vida sexual “pero ella no deja que esto la desaliente. De hecho, todo lo contrario: sale al mundo y busca experiencias sexuales para que después las pueda dibujar”, explica Paz Lázaro.

Isolada, subestimada, discriminada, sobreprotegida, Yuma decidirá redefinirse, comenzando un camino artístico independiente, así como una nueva vida social tras conocer a sus amigos, Kuma y su esposa Mai. En esta vuelta de página se enfrentará no sólo a la sociedad japonesa o su credibilidad como artista, sino también a revelaciones familiares, ya que al emanciparse del cuidado excesivo de su madre, Yuma emprenderá una búsqueda por su padre, quien estuvo ausente toda su vida.

Hikari desmenuzará la vida de su protagonista interpretada por Mei Kayama, desmantelando tabúes de la sociedad japonesa, tales como la sexualidad de una persona con discapacidad física, así como la discapacidad misma. Debido a la reacción del público en la Berlinale -profundamente emotiva-, así como a la creatividad con la que se cuenta esta historia definida por la autenticidad de los personajes y un absurdo sentido del humor, la película acaba de conseguir la distribución de Boutique Films.

Talking About Trees (Doha Film Institute)

El director de Talking About Trees, Suhaib Gasmelbari, vivió en Sudán hasta que tenía 16 años, después vivió exiliado en el extranjero. Cursó sus estudios en cine en la Universidad de París, ciudad donde ejerció el oficio de cineasta y periodista, además de un trabajo investigativo y de rescate de cine sudanés. Estos son precisamente los ejes que marcan su ópera prima.

Tras seis años de guerra civil, en 1989 Sudán pasa por un golpe de Estado militar que tira el gobierno del primer ministro Sadiq al-Mahdi. Con la muerte de cientos de miles de civiles, el golpe respondía principalmente a problemas de hambruna y pobreza. El Ministerio de Cultura del nuevo régimen islámico crea un apartado dedicado al cine, sin embargo, la producción total de esa época, según el director, no supera las tres horas. Es durante esta época que los protagonistas de Gasmelbari salen del país.

En Talking About Trees, Gasmelbari sigue a Ibrahim, Souliman, Manar y Altayeb, cuatro entrañables amigos y colegas, quienes se reencuentran después de años de exilio con un sólo propósito: reavivar la flama del cine en su país natal. Los cuatro personajes, al igual que su director, estudiaron cine fuera de Sudán. Durante los años setenta y ochenta se instalaron en países como Alemania del Este, Egipto y Rusia, convirtiéndose en la primera generación en haber cursado dichos estudios, simbolizando para Gasmelbari, una ola de esperanza, fundamentada más que nada en el idealismo que comparten.

Souliman Ibrahim en la Berlinale (Berlinale)

Dicha esperanza continúa. A su regreso, los cineastas crearon el Club de Cine Sudanés, dedicado al rescate de su cine nacional. Juntos, organizan proyecciones itinerantes en diversos pueblos que van desde ficciones hasta trabajos educativos, todas ellas públicas y gratuitas dedicadas a personas, particularmente jóvenes, que nunca han visto cine. Es por esto que el director defiende que su documental trata ante que nada sobre el amor al cine, a pesar de todo.

Menciones Especiales para Documentales

Las barreras que Panorama busca borrar se representan de muchas maneras en el documental testimonial ganador del segundo lugar en dicha categoría, Midnight Traveler del realizador afgano Hassan Fazili, el cual también fue premiado en el Festival de Sundance con el Premio Especial del Jurado. En su anterior película, Peace in Afghanistan (2015), Hazili se centró en un talibán disidente. Poco tiempo después de su estreno en televisión su protagonista fue asesinado por el grupo del cual antes era parte, y el director fue blanco de una propaganda que exigía su muerte. Por esta razón, Hazili y su familia tuvieron que huir de su hogar.

Midnight Traveler relata la travesía para llegar a un lugar seguro. Hazili presentó su documental y participó en un Q&A acompañado de las protagonistas y musas de la película: Fatima, su esposa, y sus hijas Nargis y Zahra. En esta sesión el cineasta dijo que él y su familia llevaban diez meses en Alemania, sin embargo viven en la incertidumbre de si se les permitirá quedarse o no.

Midnight Traveler (Sundance Institute)

Una primera barrera que se rompe es el estilo del documental -vagabundo y errante- el cual se basa en archivos de celular “Desde el principio Midnight Traveler postula que la travesía de un refugiado continuamente lo despoja de agencia y control”, escribe Gary Garrison, sin embargo, la democratización de los medios de creación cinematográfica sirvieron para que Hazili recuperara cierto control mediante la capacidad de presentar una historia que fácilmente podría haber caído en la clandestinidad o la anonimia “Hice esta película para que nuestras voces no sean silenciadas”.

Otra barrera latente en el documental aún no se derrumba. Las fronteras de los Estados-Nación, rígidas, militarizadas y no obstante, imaginarias, definen el contexto político de la obra y las vidas de miles de refugiados desde Medio Oriente hasta Latinoamérica, una realidad fuertemente marcada por violencia, discriminación, propios cuestionamientos religiosos y culturales y los paupérrimos campos de refugiados, a pesar de ello Garrison opina que el tema central de la película “es la familia, la privación e inhumanidad que han soportado, su valentía, su amor, esperanza, y sobre todo, su deseo por estar seguros y tener el control de sus vidas, cuerpos, destinos y futuros”.

Por su parte, el tercer lugar fue otorgado a Shooting the Mafia, documental de la directora inglesa Kim Longinotto en el que retrata a Letizia Battaglia, primera fotógrafa en participar en un periódico italiano. Longinotto tiene una amplia filmografía en la que retrata a mujeres fuertes, Battaglia definitivamente es una de ellas, ya que desde que comenzó su carrera fotográfica sabía que su lente era su trinchera para luchar contra la violencia causada por la mafia, que ha azotado su país por 150 años.

Fotografía de Letizia Battaglia (oscarvangelderen.nl)

La directora investigó sobre películas de mafia, incluyendo, por supuesto El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), sin embargo, para su proyecto planeó desmitificarla como una asociación de personas elegantes en traje, o su contexto como una realidad en la que los niños no se dan cuenta de la violencia. Shooting the Mafia es un documental realista donde no se esconde la sangre que ha corrido gracias a la violencia, así como en las fotografías de Battaglia.

En el Q&A durante la Berlinale, Longinotto reconoció como suma de su película una de las fotografías de Battaglia en la que yace el cadáver de un hombre en un garage «El hombre estaba simplemente limpiando un coche y un pequeño cobarde se acercaba desde las sombras para dispararle en el trabajo. Cobardes que matan a los valientes que les hacen frente». Así el documental es una oda, no sólo a su protagonista, sino a las personas que han sido víctimas del crimen organizado, no sólo en Italia sino también en México, menciona la directora.

Menciones Especiales para Ficciones

El ganador del segundo lugar en la categoría de ficción es la película serbia Šavovi (Stitches), en la que su director Miroslav Terzić, nos presenta a Ana, interpretada por Snezana Bogdanovic, una madre que sigue de cerca una conspiración de la ex-Yugoslavia con fin de encontrar a su hijo, quien se supuso muerto veinte años atrás. Con un equipo y talento comprometidos con el cine y la justicia social, en su segundo largometraje Terzić abre el misterioso tráfico de bebés que marcó el final del Siglo XX, -así como el final de Yugoslavia-, el cual tiene en su haber el misterio de aproximadamente 1,500 «muertes» tan sólo en la década de los setenta.

Savovi (IMDb)

Durante los años setenta se llevó a cabo en países yugoslavos como Serbia y Croacia, una red clandestina de trata de personas la cual operaba en hospitales. Integrada por doctores, paramédicos y empleados del gobierno, esta red vendía recién nacidos, los cuales eran robados de sus padres a quienes les justificaban que el bebé había muerto, pero no les enseñaban el cadáver ni les informaban sobre su paradero. Fue durante los noventa, cuando la pareja del director se encontraba embarazada, que Terzić leyó sobre este tema y comenzó a hacer la investigación para su próximo guion.

Para profundizar en el tema, Terzić consiguió una entrevista con Drinka Radonjic, una de las madres que sospechan que han sido víctimas de este crimen. En ella, Radonjic contó vastamente su experiencia, ayudando al director no sólo a reconstruir esta realidad dramática y de suspenso, sino también aportando características para el personaje principal «(Radonjic) tiene una postura como de dama, es noble pero valiente, modesta pero se siente su poder. Ana es así.»

Buoyancy (Australia Cultural Fund)

El tercer lugar del premio del Público fue otorgado a Buoyancy del director australiano Rodd Rathjen (The Babadook, 2014), la cual retrata la huida de Chakra, un adolescente camboyano que busca alejarse de su familia para ganar dinero en una fábrica de Tailandia «Es un chico astuto que debe crecer rápido -una clase de coming of age forzado. Tiene la apariencia exterior de un niño, pero debe pensar como adulto», explica Paz Lázaro. En el camino, terminará siendo vendido y esclavizado en un bote. Muy al estilo de Franz Fanon, Chakra ocupará la violencia contra sus captores, con la misma o más intensidad de la que los oprime a él y a los demás cautivos.

Filmada en Camboya, la película habla sobre la crisis humanitaria en esa región del planeta. El punto inicial de la película es «la precariedad económica en la que viven las familias. El hijo quiere un mejor futuro para él; quiere ganar dinero, mientras que el padre quiere que trabaje para el bien familiar», explica Michael Stütz, y a partir de ahí ahonda en los consecuentes crímenes de lesa humanidad, tales como la trata de personas y la esclavización.

Fuentes:

SUNDANCE EN EL ARDOR POLÍTICO MUNDIAL


POR: PATRICIA RÍOS

En una ceremonia presentada por la directora y actriz Mariana Palka (Bitch, 2017), el Festival Internacional de Cine de Sundance presentó a los ganadores de sus secciones en competencia, quienes reivindicaron la lucha social a través de diferentes trincheras como el poder de la acción política, la representación democrática de las mujeres, el responder a través del amor, e incluso la esperanza de un cambio político en México.

En los últimos años, Estados Unidos ha sido terreno de diversas luchas sociales que explotan en el ardor político que siente su población. En sus calles se han manifestado discusiones alrededor de control de armas, abusos policiales contra la comunidad afroamericana, racismo, dominación generalizada de mujeres, derechos humanos de migrantes, demandas que vemos crecer en gran escala alrededor del mundo.

Este año Sundance reconoció las diversas preocupaciones de la sociedad estadounidense con las películas galardonadas en la sección en competencia US Documentary, todas dirigidas (una de ellas co-dirigida) por mujeres, las cuales exploran los cambios recientes, y los que han tardado años en sanar.

Alexandria Ocasio-Cortez en una presentación de Knock Down the House (The Wrap)

Knock Down the House de Rachel Lear fue ganadora del Premio de la Audiencia, es una película que explora la relación entre política, dinero y representatividad durante 2018, año de ruptura en el Congreso debido a la votación más diversa de la historia, la cual le dio el poder a mujeres latinas, musulmanas, integrantes de la comunidad LGBT+, entre otras, rompiendo con un Congreso antes ocupado en mayor proporción por “hombres mayores, caucásicos, millonarios, abogados, lo cual no representa la población de Estados Unidos”, menciona su directora en una entrevista para Sundance Institute.

El premio Moral Urgency se le fue otorgado a Always in Season de Jacqueline Olive, documental que retrata a descendientes de víctimas y asesinos en los linchamientos llevados a cabo en contra de la comunidad afro-americana, mediante el registro de una dramatización de los sucesos. La directora aceptó el premio en honor a los más de 5,000 muertos de los sucesos, así como sus personajes, quienes tuvieron la valentía de prestar su testimonio, y finalmente: “En honor a nosotros, quienes no podemos escapar más de esta realidad (…) quienes luchamos desde el arte para crear igualdad entre todos nosotros”.

Siguiendo con la línea sobre el racismo y el género, el Premio a Mejor Dirección de trabajos de ficción estadounidense, así como el Premio Especial del Jurado a Colaboración Creativa, fue para Joe Talbot por The Last Black Man in San Francisco, gracias a su “la infinidad de ideas para crear una meditación alrededor de raza, masculinidad y clase (socio-económica)”, justificó el jurado.

Alex Rivera y Cristina Ibarra, directores de The Infiltrators (Golden Globes)

Comenzando con la premiación de los largometrajes de ficción , se dio el Premio del Público y de Innovación otorgado por Laurie Anderson en la categoría NEXT a The Infiltrators, dirigido por el matrimonio compuesto por el tijuanense Alex Rivera y Cristina Ibarra, hija de una familia de migrantes mexicanos y nacida en El Paso, quienes consiguieron ‘infiltrados’ en un centro de detención de Dreamers en la frontera sur de Estados Unidos.

Enfocados particularmente en testimonios de jóvenes indocumentados, durante su discurso los directores parafrasearon a sus entrevistados defendiendo que las barreras más importantes a romper son las internas: “Hay una visión de Estados Unidos que dice que si naciste aquí, saliste de tu mamá aquí, eres estadounidense, pero los personajes de nuestra película enseñan otro Estados Unidos: que si peleas por estar aquí, si crees en estar aquí, si cruzaste un desierto, un océano, así consigues ser estadounidenses”

México también estuvo presente de diversas maneras. No sólo participó en la programación con trabajos como This is Not Berlin de Hari Sama en la competencia por Mejor Ficción Mundial, sino que también fue reconocida Tatiana Huezo con el Open Borders Fellowship por el documental Night on Fire.

Mientras tanto, el Premio del Público a documental estadounidense fue dado a la producción austriaca Sea of Shadows de Richard Ladkani, documental que expresa la preocupación del director por la extinción de la vaquita marina, especie endémica mexicana “Nosotros esperábamos estar en (Sundance) para hacer un llamado al cambio en México, se trata de poner los reflectores en la crisis: carteles de droga mexicanos, la mafia china intentan arruinar el planeta mientras ganan millones de dólares, con esto queríamos hacer ver que no pueden hacer eso”.

Lucía Garibaldi, directora de Los Tiburones (Golden Globes)

Continuando con la representación de las mujeres de América Latina, las competencias dramáticas mundiales incluyó la victoria de Lucía Garibaldi a Mejor Dirección, gracias a su ópera prima Los Tiburones–la primera producción uruguaya (en cooperación con Argentina y España) en participar en el festival- en palabras del miembro del jurado Ciro Guerra, gracias a su “madurez sorprendente de las aventuras sexuales de una chica”, premio que la directora agradeció en un discurso en castellano: “Ojalá sirva de ejemplo de que se puede llegar a donde uno quiere”, dijo Garibaldi.

El mensaje que dieron cineastas como Garibaldi, Rivera, Ibarra, Ladkani, Olive, Lear, Talbot, y muchos otros, es de apertura: de fronteras, oportunidades, humanidad. Mensajes que buscan la ruptura del status quo que mantiene a las mujeres, a los migrantes, a los refugiados, a los estigmatizados, e incluso a la naturaleza en un papel de extraño que le quita cualquier condición de dignidad.

Los tiempos que vivimos, altamente politizados por una ola de polarización radical, se reflejan no sólo en la selección que Kin Yutani y su equipo crearon en su primer año como Directora de Programación, la cual incluye un 44% de directoras mujeres, directores latinoamericanos y una vasta gama de historias sobre la lucha humana, sino que en los premios otorgados, por el público y los jurados, también se refleja un interés por trascender los vestigios de dicho sistema, cada vez más caduco gracias, en gran medida, al poder del arte que tiene la oportunidad de expresarse en espacios como Sundance.

(Sundance Institute)

Presentamos la lista de los largometrajes ganadores:

US DRAMATIC COMPETITION

Grand Jury Prize

Clemency

Audience Award

Brittany Runs a Marathon

Directing

Joe Talbot – The Last Black Man in San Francisco

Waldo Salt Screenwriting Award

Pippa Bianco – Share

Special Jury Award for Vision and Craft

Alma Har’el – Honey Boy

Special Jury Award for Creative Collaboration

The Last Black Man in San Francisco

Special Jury Award for Breakthrough Performance

Rhianne Barreto – Share


US DOCUMENTARY COMPETITION

Grand Jury Prize

One Child Nation

Audience Award

Knock Down the House

Directing

Steven Bognar & Julia Riechert – American Factory

Special Jury Award for Moral Urgency

Jacqueline Olive – Always in Season

Special Jury Award for Emerging Filmmaker

Liza Mandelup – Jawline

Special Jury Award for Cinematography

Luke Lorentzen – Midnight Family


WORLD CINEMA DRAMATIC COMPETITION

Grand Jury Prize

The Souvenir

Audience Award

Queen of Hearts

Directing

Lucía Garibaldi – The Sharks

Special Jury Award

Alejandro Landes – Monos

Special Jury Award for Acting

Krystyna Janda – Dolce Fine Giornata


WORLD CINEMA DOCUMENTARY COMPETITION

Grand Jury Prize

Honeyland

Audience Award

Sea of Shadows

Directing

Mads Brügger – Cold Case Hammarskjöld

Special Jury Award for Impact for Change

Tamara Kotevska & Ljubomir Stefanov – Honeyland

Special Jury Award for Cinematography

Fejmi Daut & Samir Ljuma – Honeyland


NEXT

NEXT Audience Award

The Infiltrators

NEXT Innovator Award

The Infiltrators


Alfred P. Sloan Feature Film Prize

The Boy Who Harnessed the Wind

Sundance Institute/Amazon Studios Producers Awards

Carly Hugo & Matt Parker – Share

Sev Ohanian – Lori Cheatle

Sundance Open Borders Fellowship Presented by Netflix

Talal Derki – Of Fathers and Sons

Chaitanya Tamhane & Tatiana Huezo – Night on Fire

Fuentes:

Ganan la Queer Palm 2018 «Girl» de Lukas Dhont y «O Orfao» de Carolina Markowizc

La vieja Europa comienza a desmoronarse. Hay raíces pequeñas que crecen, en la transición ecológica, en la transición energética, en todo lo alternativo, aquello que denominamos creatividades culturales y que hoy ofrecen algo de esperanza. Se trata de una nueva globalización de lo alternativo. Los alemanes tienen un filósofo importante, Ernst Bloch, que dice que la utopía consiste en plantar las raíces del futuro, que conducirán a una nueva civilización. Pienso que hoy también asistimos a eso.”

-Thérèse Clerc, en entrevista con Carlos Bonfil para La Jornada

Bajo el slogan “Open-minded award since 2010”, la Queer Palm es un premio que se da a lo más reconocido del cine LGBT+, promoviendo la “apertura de espíritu, tolerancia y diversidad” y garantizando la visibilidad de este tipo de historias en el festival de cine más grande del mundo, Cannes. Para el galardón participan películas y cortometrajes de diferentes secciones dentro y paralelamente al Festival de Cannes como la Selección Oficial, Un Certain Regard, ACID, la Semana de la Crítica y la Quincena de los Realizadores.

La Queer Palm es un premio que se da a lo más reconocido del cine LGBT+ en el festival de cine más grande del mundo, Cannes.

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Franck Finance-Madureira se inspiró en Shortbus para hacer la Queer Palm (IMDb)

Su creador, el periodista, crítico y escritor francés Franck Finance-Madureira, menciona que las películas son escogidas por cómo se tratan los personajes, así como por su calidad artística, incluso se ha incluido películas que no tienen ningún personaje LGBT+ y sin embargo impactan por la narración queer de su historia, como es el caso de Tournée (2014) de Mathieu Amalric. Asimismo, el galardón se ha comprometido con el trabajo de realizadoras, siendo 2014, por ejemplo, un año en el que de 13 películas nominadas 7 habían sido dirigidas o co-dirigidas por mujeres.

Finance-Madureira tuvo dos inspiraciones para hacer la Queer Palm: una proyección de Short Bus (2006) de John Cameron Mitchell (Rabbit Hole, 2010), ficción sobre las relaciones amorosas y sexuales de un grupo de neoyorquinos; y los premios Teddy de la Berlinale, incluso ha declarado emocionado que ¡La Queer Palm es una hija espiritual del Teddy! El periodista se alió con los realizadores Olivier Ducastel y Jacques Martineau, y con el apoyo del Festival de Cannes organizó un jurado y proyecciones especiales para el primer año, un tanto improvisado según el fundador. (Les Ecrans Terribles)

Kaboom del director californiano Gregg Araki fue la primera película en ganar una Queer Palm

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Gregg Araki, Thomas Dekker y Juno Temple en el set de Kaboom (IMDb)

La primera película ganadora fue Kaboom del director californiano Gregg Araki, quien tiene una filmografía diversa, aunque toda unida por sus protagonistas jóvenes, desde el thriller White Bird in a Blizzard (2014) hasta la comedia Smiley Face (2007). Con Kaboom nos presenta un filme que va desde la ciencia ficción hasta la psicodelia, a través del onírico y surreal retrato de un joven en su despertar sexual durante la universidad. Como primera ganadora, entre sus luces de colores, brillantina y erotismo, Kaboom representó lo que vendría después.

Este 18 de mayo a las 10:30 pm en el hotel Five Seas, Cannes, se llevó a cabo la ceremonia en la que se anunció al largo y corto ganadores de la Queer Palm 2018, ellos son:

  • Girl

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Girl de Lukas Dhont, ganadora de la Queer Palm (IMDb)

Perteneciente a Un Certain Regard, Girl es la ópera prima del director belga de 26 años, Lukas Dhont. El director ya tenía dos victorias en el Festival Internacional de Cine de Ghent con su cortometraje L’Infini (2014) y Corps Perdu (2012), en el cual ya explora a un bailarín adolescente experimentando con su identidad sexual, a través de su soledad interrumpida por un extraño con quien pasa una inesperada noche.

Girl, escrita por su director y por Angelo Tijssens, narra la historia de Lara, una chica de 15 años que ha nacido en el cuerpo de un chico. Lara se ha determinado a ser una bailarina clásica profesional, mientras vive los retos de la adolescencia, de la exigente danza, y de sus reflexiones sobre su identidad sexual y de género.

«Lara es alguien que verdaderamente desafía las normas clásicas de la sociedad respecto a la masculinidad y la feminidad«

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Lukas Dhont, Victor Polster y Arieh Worthalter en la Photocall de Cannes (Zimbio)

Dhont menciona que su tratamiento de la película fue a través de la honestidad y la madurez, así llevó a cabo la relación con el guion, sus personajes y los padres de su actor principal. De este modo, el director defiende que lo que Lara siente no es una decisión, sino que realmente ha sido asignada como hombre, aunque siempre ha sabido que es mujer: «Lara es alguien que verdaderamente desafía las normas clásicas de la sociedad respecto a la masculinidad y la feminidad» (Cannes).

La película es una producción franco-holandesa protagonizada por el bailarín belga Victor Polster, quien con tan sólo 16 años ha ganado el premio a Mejor Actuación en Un Certain Regard. Esta es la primera película del joven entusiasta del cine, y desde el inicio estuvo vinculado de una manera muy personal a su papel, para el cual tuvo que cambiar radicalmente su aspecto: vestimenta, maquillaje, cabello; proceso en el cual siempre estuvo acompañado de sus padres. «Veo a Lara como una heroína. La admiro por su valor, su persistencia» (Cinema Canal +), menciona Polster.

  • O Orfao

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O Orfao de Carolina Marlowicz gana la Queer Palm a Mejor Cortometraje (Quinzaine des Realisateurs)

En la sección de cortometrajes resultó ganador el trabajo de la cineasta brasileña Carolina Markowicz, O Orfao. Markowicz, antes de este importante galardón, ya había sido nominada al Festival de Toronto y SXSW por Long Distance Relationship (2017) y al Festival de Varsovia por Edifício Tatuapé Mahal (2014) por el cual ganó en Paulínia.

Para su quinto cortometraje O Orfao, seleccionado en la Quincena de los Realizadores, la directora nos narra una historia basada en hechos reales, sobre un niño adoptado que es devuelto al orfanato por sus nuevos padres por ser diferente. Con marcos cuadrados, se transmite la opresión del niño; con colores fríos, la falta de pertenencia.

O Orfao es una historia basada en hechos reales, sobre un niño adoptado que es devuelto al orfanato por sus nuevos padres por ser diferente

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Carolina Marlowicz (Hysteria)

De esta manera, Markowicz se expresa preocupada por la nueva ola de conservadurismo a nivel mundial, pero particularmente en su país: «Brasil va por un camino conservador en el que algunas cosas importantes no son tratadas como tales; mientras que cosas que no deberían serlo para los demás, lo son, tales como la sexualidad, si alguien es gay o no, cómo te ves.» (Citizen Cannes)

El nuevo proyecto de la directora (su ópera prima) se titulará When my Life was my Life, por el cual ya ha ganado premios de apoyo para su desarrollo en Rotterdam y Brasil, entre otros. La película tratará sobre una mafia dirigida por una mujer especializada en ocultar fugitivos, y será protagonizada por Rita Cortese (Relatos Salvajes, 2014).

El jurado fue presidido por la productora francesa Sylvie Pialat, productora de Stranger by the Lake

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La presidente de jurado, Sylvie Pialat (Europe 1)

Ambas decisiones fueron deliberadas por un jurado presidido por la productora francesa Sylvie Pialat, ganadora del premio César por Timbuktú (Abderrahmane Sissako, 2015), película de Mauritania nominada al Óscar por Mejor Película extranjera. Pialat ha producido decenas de proyectos incluyendo When Evening Falls on Bucharest or Metabolism (Corneliu Porumboiu, 2013), y la ganadora de la Queer Palm Stranger by the Lake.

Finance-Madureira ha justificado que para la configuración del jurado se busca el equilibrio: entre hombre y mujeres, entre edades, nacionalidades y profesiones. Este año, al lado de Pialat, estuvieron: Boyd van Hoeij, periodista cinematográfico alemán para The Hollywood Reporter, cuyo trabajo también se ha visto en Indiwire, Variety, Winq y Filmkrant; Dounia Sichov, actriz y productora francesa quien ha aprecido en filmes como Light Thereafter (Konstantin Bojanov, 2017) y Marussia (Eva Pervolovici, 2013); Morgan Simon, director y guionista francés de películas como el multipremiado drama Compte tes blessures (2016), y de cortometrajes que han estado nominados a los Premios César y Clermont-Ferrand; y Pepe Ruiloba, programador y coordinador mexicano del Premio Maguey en el FICG.

El mexicano Pepe Ruiloba fue parte del jurado de la Queer Palm

 

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La Palma ha visto entre sus nominados a respetables cineastas como Pedro Almodóvar (La Piel que Habito, 2011), Leos Carax (Holy Motors, 2012), Michel Gondry (The We and the I, 2012), Yann Gonzalez (Los Encuentros de Medianoche, 2013), Damien Chazelle (Whiplash, 2014), Mélanie Laurent (Respire, 2014), Gaspar Noé (Love, 2015) y John Cameron Mitchell (How to Talk to Girls at Parties, 2017).

Para su 9ª edición, se escogieron diversos trabajos de diferentes géneros cinematográficos que revelan la madurez de la sociedad francesa respecto a estos temas: “Estamos en un proceso de “normalización” que hace que no nos interese más el salir del clóset.” Menciona el fundador del galardón (Komitid). Este año los extraordinarios competidores fueron:

 Selección Oficial en Competencia

Sorry Angel de Christophe Honoré; y Knife + Heart de Yann Gonzalez.

 Selección Oficial – Función de Medianoche

Whitney de Kevin Macdonald.

 Un Certain Regard

Euphoria de Valeria Golino; El Ángel de Luis Ortega; Friend de Wanuri Kahiu; Border de Ali Abassi; y The Harvesters de Etienne Kallos.

 Quincena de los Realizadores

Carmen y Lola de Arantxa Echevarría.

 Semana de la Crítica

Diamantino de Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt; Wild de Camille Vidal-naquet; y Shéhérazade de Jean-Bernard Marlin.

 ACID Section

Love Standing de Michael Dacheux; y Cassandro the Exotico! de Marie Losier.

Cortometrajes

Ultra Pulpe de Bertrand Mandico; Sailor’s Delight de Louise Aubertin; y Dolfin Megumi de Ori Aharon.

 

Fuentes: Queer Palm; Entrevista a Thérèse Clerc por Carlos Bonfil para La Jornada; New Yorker; Youtube de La Semaine de la Critique; Les Ecrans Terribles; Komitid; Le Point; Reforma; La Libre; Cinema Canal +; Cannes; Citizen Cannes.

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Cannes comienza por 71ª ocasión de la mano de una mujer y hablando español

La 71ª edición del Festival de Cannes comenzó con una conferencia de prensa donde  la actriz australiana Cate Blanchett, Presidente de Jurado, habló sobre el trabajo que se hará en esta edición respecto al caos generado en la industria por el acoso sexual de actores y productores hombres hacia mujeres, que ha derivado en movimientos como Time’s Up.

Blanchett es una de las actrices más célebres del mundo, alabada por la crítica por cintas como Carol (Todd Haynes, 2015) y Elizabeth, the Golden Age (Shekhar Kapur, 2007). Ha comprobado la solidez de su carrera artística con los riesgos que toma en cada papel que interpreta y que le ha valido reconocimiento mundial, demostrado en dos Óscares por Blue Jasmine (Woody Allen, 2013) y El Aviador (Martin Scorsese, 2004), así como su nombramiento como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras en Francia, 2012.

Cate Blanchett preside el jurado de la 71ª edición del Festival de Cannes en medio de la polémica por la falta de mujeres directoras en la Selección Oficial. 

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Las mujeres del jurado de Cannes (Cannes)

Como Presidente del Jurado, tendrá la misión de ver los 21 títulos que competirán por la preciada Palma de Oro. El jurado se compone por: la directora Ava DuVernay, el director Dennis Villeneuve, el director Andrey Zvyaginstev, el cineasta Robert Guediguian, la actriz Kristen Stewart, la música Khadja Nin, el actor Chang Chen y la actriz francesa Léa Seydoux.

Blanchett a pregunta expresa sobre la falta de mujeres directoras en la Selección Oficial, comentó que si bien le gustaría ver más películas dirigidas por mujeres, esa situación no podría cambiar de la noche a la mañana, “las películas dirigidas por mujeres no fueron seleccionadas por un tema de “género», sino por la calidad de su trabajo. Estaremos evaluándolas como directoras de cine, como debe ser”, expresó.

El cine es un lenguaje universal que debe ser llevado por la emoción

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El jurado de Cannes durante la inauguración (Cannes)

Ante la pregunta sobre el futuro de los movimientos Time’s Up y #MeToo, Blanchett le dio la palabra a sus colegas hombres, Dennis Villeneuve (La llegada, 2016) dijo que “será un movimiento que debe tomar su tiempo para que sus efectos puedan verse”. Blanchett agregó: “más que pontificar sobre lo qué es la igualdad de género, se necesitan acciones específicas que lleven a la igualdad y a la diversidad”.

Aparte del movimiento #MeToo, el cine vive un momento de transformación por el éxito de plataformas digitales como Netflix, al respecto la directora y productora, Ava DuVernay (Selma, 2014) comentó: “Una película es una historia contada por un director. La forma en la que es exhibida a la audiencia no debe responder a sí debe considerarse cine”.

Villeneuve agregó: “el cine es muy importante como medio para contar historias. La humanidad repite los mismos errores. Los escritores están para recordarnos esos errores, por eso el cine hoy es más importante que nunca”. Por su parte, Léa Seydoux, actriz galardonada en Cannes por La Vida de Adèle (2013), comentó que le gustaría ver una película que logre crear un nuevo lenguaje. “El cine es un lenguaje universal que debe ser llevado por la emoción”.

“Más que pontificar sobre lo qué es la igualdad de género, se necesitan acciones específicas que lleven a la igualdad y a la diversidad

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Kristen Stewart y Cate Blanchett (Cannes)

Cate Blanchett llevará en sus hombros la responsabilidad de poner de acuerdo a un jurado diverso que decidirá el máximo galardón del cine, la Palma de Oro, un premio apolítico que debe celebrar el arte de hacer y ver cine: “Soy muy abierta como actriz, con opiniones fuertes pero también abierta a cambiarlas. No soy fan del monólogo sino de un discurso profundo y enriquecedor. Voy a ser muy colaborativa como presidente del jurado. La Palma de Oro debe abrazar cada proceso de la película, la edición, la dirección, la música, las actuaciones; todos los elementos deben converger en una unidad”.

Además de hacer historia con la segunda mujer que presidirá el jurado, esta edición también ha hecho ruido en el mundo hispano hablante puesto que el festival comenzó con una película en español bajo la presentación de Martin Scorsese y Cate Blanchett, convirtiéndose en la segunda de esta naturaleza en inaugurar el Festival de Cannes, después de que en 2004 lo hiciera por primera vez Pedro Almodóvar con La Mala Educación.

Por la primera alfombra roja de La Croisette de Cannes, caminó Penélope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín, reparto principal de la película en competencia Todos lo Saben, el más reciente trabajo del iraní Asghar Farhadi (Una separación, 2011). La producción española combina la intriga y el drama de una familia que vuelve a España de la Argentina para una boda. Farhadi se concentra en las relaciones íntimas del reencuentro entre los habitantes de un pequeño pueblo, donde las conexiones entre el pasado y presente son tan visibles como fatídicas.

Todos lo saben se convirtió en la segunda película en español en inaugurar el Festival de Cannes, después de La Mala Educación

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Asghar Farhadi y el elenco de «Todos lo Saben» (AFP)

Paco (Bardem), es un viñador que tuvo una relación en el pasado con Laura (Cruz). «Todos lo saben en este pueblo» le dice Laura a su hija Irene (Carla Campra) que tras la ceremonia desaparece misteriosamente. Un mensaje con recortes de periódico anunciando el secuestro, es puesto sobre su cama. Este conflicto más que ahondar en el misterio de la desaparición, se concentra en «comprobar las fisuras del pasado entre los personajes que se ven afectados por la desaparición» (Variety). La pérdida y el pasado son los temas centrales de este relato, condicionantes uno del otro, en un rompecabezas íntimo de desencuentros culposos que enmarcan un misterio que seguirá dejando heridas. 

 

Fuentes: Cannes, Variety, Indiewire

/ AH

Iberoamérica se une en los Premios Platino

Organizados por EGEA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores) con la colaboración de FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales), los Premios Platino del Cine Iberoamericano, celebran lo mejor de los 23 países de Iberoamérica. Año con año el evento se ha posicionado conjuntando a figuras de la industria de la región, directores, gestores culturales, actores, productores, promotores, guionistas, cinefotógrafos para hacer más sólida una industria valorada en los Festivales de cine más importantes del mundo.

El éxito del cine de la región tuvo su punto más alto, cuando Una Mujer Fantástica se coronó con el Premio Óscar a Mejor Película Extranjera. Destacan también Los Perros de Marcela Said, que compitió en Cannes en la Semana de la Crítica, Verano de 1993 de Carla Simón, ganadora de la Mejor Ópera Prima de la Berlinale, La defensa del dragón de Natalia Santa, nominada a la Cámara de Oro de Cannes y La cordillerade Santiago Mitre, que compitió en la Selección Oficial de Cannes.

Sin conflictos de lengua, sin discusiones sobre geopolítica, sin trazos en el mapa, Iberoamérica estuvo aliada 

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«Una Mujer Fantástica» (IMDb)

Los Platino se han vuelto un esfuerzo tangible por celebrar una industria en contextos de ausencia de apoyos y de escasez de recursos. Más de 800 largometrajes de todos los países de Iberoamérica participaron para ser candidatos. Países como Cuba, Nicaragua, Argentina, Brasil, España, Colombia compitieron en nominaciones que dan cuenta del posicionamiento técnico y artístico del cine iberoamericano en 2017.

Este año los Premios Platino llegaron a su quinta edición en la Riviera Maya, en XCARET México, un paraíso de colores, en el mágico sureste mexicano, cuna de una de las civilizaciones prehispánicas más importantes de América. Las cuatro ediciones pasadas viajaron por países como Panamá, Uruguay y España, reconociendo a películas como Gloria de Sebastián Lelio, Relatos Salvajes de Damián Szifron, El abrazo de la serpiente de Ciro Guerra y El ciudadano ilustre de Mariano Cohn y Gastón Duprat.

El pasado fin de semana, México le dio la bienvenida a cada una de las películas nominadas para continuar con los esfuerzos por unir a Iberoamérica. Películas que resumen la fortaleza de este cine que puede hablar el mismo idioma pero con un acento particular. O que puede mostrar la riqueza de países como Brasil bajo un contexto similar de colonización europea o de sistemas de producción. Los Platino miran una región y descubren aquellos lazos que unen más allá de la lengua.

Los Platino miran una región y descubren aquellos lazos que unen más allá de la lengua

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«Últimos Días en la Habana» (Guía del Ocio)

México recibió nominaciones por Las Hijas de Abril de Michel Franco, Premio del Jurado de Una Cierta Mirada en el festival de Cannes por la actriz Emma Suárez y por Ingobernable, teleserie por la que la actriz mexicana Kate del Castillo fue nominada a Mejor Interpretación Femenina. Del mismo modo, fue la actriz mexicana Adriana Barraza quien recibió este año el Premio Platino de Honor gracias a su trayectoria cinematográfica.

La película cubana con co-producción española, Últimos días en la Habana de Fernando Pérez, también fue nominada después de una amplia participación en Premiaciones LGBT como el Premio Maguey. Otros nombres que figuraron en las nominaciones son: Alex de la Iglesia, Isabel Coixet, Lissette Orozco, los actores Alfredo Castro, Javier Bardem, Daniel Giménez Cacho, Antonia Zegers y la musa española Maribel Verdú.

La gran ganadora de este año fue la cinta chilena Una Mujer Fantástica la cual se llevó cinco estatuillas: Mejor Dirección de Montaje para Soledad Salfate, Mejor Interpretación Femenina para Daniela Vega, Mejor Guion para Sebastián Lelio y Gonzalo Maza, Mejor Dirección para Sebastián Lelio y Mejor Película Iberoamericana, máximo galardón de la noche.

Ahora todos tenemos una opinión sobre qué significa la identidad de género

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Daniela Vega en los Premios Platino (CNN Chile)

Como presentadora, la actriz trans Daniela Vega enfatizó que la manifestación por los derechos de la mujer no es una moda transitoria, sino un “salto a la libertad”. La intérprete galardonada dijo en un sencillo, pero contundente discurso de aceptación: “Yo me he caído muchas veces en la vida y me he parado todas esas veces, y los invito a ustedes a caerse, a experimentar la humanidad, y a levantarse una y otra vez por las mujeres, por los derechos humanos, por esos hombres y mujeres olvidados en el tiempo, por esas personas que el reloj borró, por esas personas que hoy no están, por todos aquellos, por ustedes y por nosotros. Muchas gracias y viva el cine”. Su director, Sebastián Lelio, la reconoció como una de las inspiraciones para la película, debido a “la energía, gracia y poesía” con la que siempre ha logrado levantarse.

El cineasta, dice Lelio, puede proponer al espectador una “nueva luz” para generar una nueva conciencia, la cual puede llevar a la acción y, por lo tanto, al cambio. El cine es poder, es responsabilidad, es lucha por la igualdad. Así, el productor Juan de Dios Larraín mencionó que Una Mujer Fantástica había logrado algo inesperado: “Ahora todos tenemos una opinión sobre qué significa la identidad de género”.

El cine es poder, es responsabilidad, es lucha por la igualdad

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«Verano de 1993» Ganadora a Mejor Ópera Prima (IMDb)

La segunda película con más galardones fue Zama de la directora argentina Lucrecia Martel, la cual se llevó el premio a Mejor Dirección de Sonido para Guido Berenblum, Mejor Dirección de Fotografía para Rui Poças y Mejor Dirección de Arte para la brasileña Renata Pinheiro. Por su parte, el premio a Mejor Ópera Prima fue para el filme autobiográfico Verano de 1993 de la joven directora y guionista catalana Carla Simón Pipó.

En esta edición, brilló una estrella del cine iberoamericano: Adriana Barraza, nominada al Óscar por Babel en 2006 y ganadora del Ojo a Mejor Actriz en el FICM 2016 por el filme Todo lo Demás de la sinaloense Natalia Almada. El comité de este galardón reconoció “la impresionante y polifacética carrera que además destaca por su compromiso y dedicación a la industria cinematográfica”.

Quien no tiene fuerza para sostener un sueño no tendrá fuerza para sostener su vida”

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Adriana Barraza en los Premios Platino (El Debate)

Barraza anudó su indignación a la de la comunidad cinematográfica mexicana lamentando el secuestro y asesinato de Javier Salomón Aceves Gastélum, Jesús Daniel Díaz García y Marco Francisco García Ávalos, estudiantes de cine secuestrados y asesinados por el CJNG el pasado 19 de marzo: “Como ser humano lamento profundamente que todos nosotros nos hayamos perdido la oportunidad de ver una película de ellos, de disfrutarlos, de verlos, de ver qué querían decir en las pantallas (…) Dedico este premio Platino a los alumnos que ya no están, pero también a los que están y pisan fuerte» dijo la actriz en su discurso de aceptación, en el cual también recordó a los 43 estudiantes desaparecidos de Ayotzinapa y al resto de los miles de jóvenes asesinados en el país, exigiendo a los gobernantes mexicanos verdad y justicia.

Con una voz poderosa, un poco pausada por la emoción, Barraza levantó su estatuilla y proclamó “Quien no tiene fuerza para sostener un sueño no tendrá fuerza para sostener su vida”.

Los 5º Premios Platino se celebraron en una ceremonia con tono político que involucró temas como la violencia en México, así como los derechos de las mujeres y la comunidad trans. Fue una ceremonia de fiesta con las participaciones de músicos como Maná, la improvisación de los raperos Aczino vs Arkano y Asier Etxeandia con sus ojos maquillados. Pero fue, más que nada, la reafirmación del poder del cine como un agente de reflexión, de cambio y unidad. Sin conflictos de lengua, sin discusiones sobre geopolítica, sin trazos en el mapa, Iberoamérica estuvo aliada el 29 de abril para recordar e impulsar la importancia del arte como común denominador de resistencia en un mundo complejo donde aún se respira guerra, xenofobia e intolerancia.

/ Redacción