PELÍCULAS QUE PODRÍAN SER PARTE DE MAGUEY 2019

POR: PAULA AGUILAR

Desde 2012 el Premio Maguey ha sido una parte importante del Festival Internacional de Guadalajara. Su misión ha sido celebrar lo mejor del cine Queer/LGBTTTI, como su director Pavel Cortés lo ha mencionado, este galardón nació con el propósito de unirse a la lucha a favor de la libertad y aceptación y en contra de la discriminación y la homofobia en México.

A lo largo de estos años, Maguey le ha brindado al público mexicano refrescantes y diversas visiones del mundo. Cada año un jurado formado por cineastas, curadores o directores de festivales con reconocimiento internacional eligen las historias merecedoras de este premio y le dan mención especial a aquellas que tampoco deberían de pasar desapercibidas.

Entre las películas ganadoras están Mía (Argentina, 2011) de Javier van de Couter; Quebranto (México, 2013) de Roberto Fiesco; Tom en el granero (Canadá, Francia, 2013) de Xavier Dolan; Something must break (Suecia, 2014) de Ester Martin Bergsmark; Theo y Hugo, París 5:59 (Francia, 2,016) de Olivier Ducastel y Jacques Martineau; Corpo Elétrico (Brasil, 2017) de Marcelo Caetano; y recientemente, Tinta bruta (2018) de Filipe Matzembacher y Mauricio Reolon, la cual también fue premiada con el Premio Teddy.

Temblores de Jayro Bustamante (IMDb)

La sección también otorga otro tipo de reconocimientos como el Queer Icon, premio que se lo llevaron François Sagat y Rose Cory el año pasado; el Premio Maguey Homenaje Póstumo, los cineastas Pier Paolo Pasolini y Rainer Werner Fassbinder han sido algunos de los elegidos; Premio Maguey Trayectoria, que ha sido otorgado a personalidades como Wieland Speck fundador del Premio Teddy y director de la sección Panorama del Berlinale entre 1997 y 2017; y por último, el Premio Maguey Activista, con el cual se reconoció en 2018 la lucha de María Castro por los derechos de la comunidad LGBTTTI en Cuba.

Otra de sus secciones es la colectiva feminista Feminasty, que tiene como propósito mostrar el trabajo de mujeres, femmes y personas no binarias, para construir puentes de apoyo y brindarles un espacio seguro de exhibición sin importar el tipo de arte que se haga. Aceptan obras gráficas, textiles, fotográficas, instalaciones, performance, cine, e incluso poesía, música, entre otros, con fin de darle al feminismo la voz que necesita no sólo en el arte, sino en nuestra sociedad.

Año tras año el Premio Maguey se ha colocado como uno de los más queridos del Festival, con más asistentes que el año anterior. Una de sus metas es llevar las películas de su selección a lugares donde es difícil que éstas sean programadas. Esto con la misión de acercar al público mexicano a la aceptación, aquella que jamás han visto o se niegan a ver, como lo hizo en 2016 al presentar Theo y Hugo, París 5:59 en Puerto Vallarta, a pesar de que durante la proyección las autoridades censuraron la película por su contenido sexual.

Girl de Lukas Dhont (IMDb)

El Premio no le teme a la libertad y recrimina la censura como lo hizo en aquel entonces. El lema de este año es “Enqueerate”, un juego de palabras que por sí solas nos invitan a desvestirnos, aceptando quiénes somos, con singularidades y rompiendo las reglas del género. Como el mismo Festival lo menciona “Deja tus prejuicios afuera. Quítatelos, que pesan”.

Es por ello que el público mexicano ansía saber cuáles son las películas que formarán parte de la Selección Oficial de Maguey este año. Las expectativas empiezan a crecer ya que desde su última edición, el mundo ha presenciado el estreno de películas Queer/LGBTTTI de gran calidad que destacan por las situaciones tan diversas en las que se encuentran sus personajes, siguiendo la línea transgresora del Premio. Dentro de ellas Sudamérica destacó con dos películas.

Retablo de Álvaro Aparicio (IMDb)

Representando a Perú se encuentra la ganadora de la Mención Especial del Jurado Joven y el Premio Teddy 2018 de Berlinale, Retablo (2018) de Álvaro Aparicio protagonizada por Amiel Cayo y Junor Bejar, quienes interpretan la historia de Segundo, hijo y aprendiz del respetado artesano Noé, quién se dedica a diseñar y construir retablos religiosos. Después de un viaje Segundo verá en el silencio la única forma para lidiar con el secreto de su padre.

Por su parte, Guatemala podría presentar Temblores (2019) de Jayro Bustamante, protagonizada por Juan Pablo Olyslager, la cual se integra a la Selección Oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín 2019. En esta historia, Pablo es un hombre casado y un activo miembro de su Iglesia hasta que se enamora de un hombre provocando controversia entre su comunidad y revelando a una sociedad represiva.

Iniciando el recorrido por Europa, destaca la película belga-holandesa Girl de Lukas Dhont protagonizada por Victor Polster, la cual ganó los premios Cámara de Oro, Queer Palm y Mejor Actuación por el Jurado de Una Cierta Mirada en el Festival de Cannes 2018. Inspirada en Nora Monsecour, una bailarina trans de Bélgica, Girl retrata a Lara, una chica de 15 años que nació en el cuerpo de un hombre. Su sueño es convertirse en bailarina de ballet y llevará su cuerpo al límite con tal de hacer ese anhelo realidad.

Sauvage de Camille Vidal-Naquet (IMDb)

Sauvage, la producción francesa dirigida por Camille Vidal-Naquet y protagonizada por Félix Maritaud, fue seleccionada para la Semana de la Crítica, ganando el premio a la Revelación Masculina en el Festival de Cannes. En esta película conocemos a Leo, un joven de 22 años se prostituye en las calles. Los hombres van y vienen, él se queda ahí, anhelando el amor y sin saber qué le depara el futuro.

El amor entre mujeres también fue representado el año pasado con la película española Carmen y Lola (2018), dirigida por Arantxa Echevarría y protagonizada por Rosy Rodríguez y Zaida Romero, quienes interpretan a dos gitanas que buscan romper con los esquemas que les impone su comunidad. Este trabajo fue parte de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, calificada como “Compasiva y profundamente sentida” por la revista Variety.

Por último, el año pasado destacó Lizzie (2018), película estadounidense de Craig Macneill protagonizada por Kristen Stewart y Chlöe Sevigny, que formó parte de la Selección Oficial del Festival de Sundance. En ella, Lizzie tiene 32 años, vive en Massachusetts 1892 bajo el estricto control de su padre. Cuando Bridget Sullivan llega a trabajar para la familia, Lizzie y ella crean una íntima relación de la cuál florecerá un malvado plan.

Lizzie de Craig Macneill (IMDb)

Dejando a un lado las especulaciones, la trayectoria del Premio Maguey garantiza una programación hecha con visiones novedosas de cineastas que no tienen miedo a ser arriesgados para tocar el corazón de aquellos que el cine comercial continúa ignorando o mal representando.

Por ello, sean cuales sean las películas que formen parte de su Selección Oficial, lo que más atrae es la misión de este y otros festivales que apoyan el cine Queer/LGBTTTI: hacer que las brechas y prejuicios que existen entre seres humanos desaparezcan, que aquellos que no se encuentran frecuentemente en las historias del séptimo arte se hallen en él, porque es importante verse representado, porque la diversidad de contenido expresa diversidad de seres humanos, recordándonos que, trascendiendo cualquier juicio, en cada individuo existe fragilidad, corazón, alma, sentimiento y razón.

«Tiempo Compartido» en el cine independiente

Entrevista a Sebastián Hofmann y Julio Chavezmontes

Por: Antonio Harfuch

Tiempo Compartido es el más reciente trabajo de Sebastián Hofmann (Halley, 2012) producido por el también guionista, Julio Chavezmontes (Tenemos la carne, 2016). Ambos son fundadores de una de las productoras y distribuidoras más exitosas del país, PIANO que trabaja haciendo cine mexicano en un momento que Chávezmontes define como una “etapa de esplendor” del cine nacional.

La película cuenta la historia de una familia que llega a vacacionar a un hotel que resguarda una personalidad macabra y que a través de sus empleados y sus propios huéspedes en complot, buscarán asegurar las ventas anuales de sus planes de tiempo compartido sin importar destruir la estructura familiar. En forma de una comedia de humor negro con tintes surrealistas –que el propio realizador compara con Luis Buñuel-, se trata de una crítica audaz a las extravagancias y absurdos de un capitalismo en decadencia.

«Tiempo Compartido tuvo su estreno mundial en Sundance ’18, donde fue galardonada con la mención a Mejor Guion»

Miguel Rodarte, Luis Gerardo Méndez y Julio Chavezmontes Foto: Antonio Harfuch

A propósito de su estreno mexicano en la pasada edición del Festival de Guadalajara (en el que el actor principal Luis Gerardo Méndez recibió el premio Mayahuel a Mejor Actor), tuvimos la oportunidad de conversar con ellos el pasado mes de enero, sobre la diversidad de su cine y de Tiempo Compartido, que tuvo su estreno mundial en Sundance ’18, donde fue galardonada con la mención a Mejor Guion, co-escrito por ambos cineastas.

El proyecto comenzó en 2012, cuando estaban terminando Halley, su ópera prima. “De hecho el teaser de Tiempo Compartido surge cuando el personaje de Beto (Alberto Trujillo) está viendo un anuncio en la televisión que habla del hotel Vista Mar, que es el hotel de esta película. Ahí se originó. Aparte, Sebastián tiene una experiencia personal (su madre vendía tiempos compartidos) e inspiró la idea de hacer algo en los ambientes de hotelería. A partir de ahí empezamos a escribir mucho y a hacer el guión”, cuenta Julio.

Fotograma «Tiempo Compartido»: IMDb

Esta es la segunda colaboración de Hoffman y Chavezmontes como co-guionistas. “Tenemos una extraña sintonía. Platicamos ideas, imágenes, sentimientos, cosas que empiezan a integrarse dentro de la idea general. Luego juntos hacemos un tratamiento y repartimos trabajo. Pulimos ideas. Sebastián dirige cambios. Luego él interviene mucho el guion durante la filmación, se inventa líneas y secuencias. Siempre es un proceso muy fluido”.

De Halley a Tiempo Compartido hay grandes cambios, sobre todo en la escala. Mientras que en la primera sólo hay tres actores, pocos diálogos y una cámara estática, en esta segunda película hay un reparto sólido conformado por Luis Gerardo Méndez, Cassandra Ciangherotti, Miguel Rodarte, Montserrat Marañón, Andrés Almeida y RJ Mitte, entre otros. “Yo quería más juguetes. Halley es muy estática y aquí quería mover la cámara todo el tiempo. Fue como un berrinche personal de que en la primera no teníamos para un dolly y en esta segunda queríamos grúas. Viene un poco de ahí, de querer más recursos y sentirme más libre para jugar en el set”, aclara Hofmann.

Julio cuenta sobre la generosidad que Sundance ha tenido con ellos desde sus inicios y que se sienten muy privilegiados por la relación que surgió con el festival estadunidense en el Festival de Cine de Morelia. “Los programadores de Sundance vieron Halley en Morelia y ellos invitaron la película a Sundance. Para nosotros fue una gran sorpresa y con Tiempo Compartido fue igual de fortuito porque nosotros enviamos la película a los programadores en Julio de 2017 y después de tres semanas nos respondieron con una invitación para que la película compitiera en la sección internacional. Fue de ensueño. Una relación muy fluida”.

«Chavezmontes define a Sundance como un mercado importante de cine independiente en el que distribuidores de todo el mundo compran películas para exhibirlas en otros países.»

El equipo de «Tiempo Compartido» en Sundance ’18

Volver a Sundance para Hofmann es casi como cerrar un círculo de iniciación. “Aquí empezó todo, nuestra carrera se catapultó y también la de muchos. Halley no sólo fue mi ópera sino la de muchos del equipo, como la del fotógrafo Matias Penachino, del make up artist Adam Zoller (que ganó el Premio ARIEL) y la primera de Julio como productor y como guionista. No puedo imaginarme un lugar más perfecto para estrenar la película que Sundance”.

Chavezmontes define a Sundance como un mercado importante de cine independiente en el que distribuidores de todo el mundo compran películas para exhibirlas en otros países. “El cine mexicano en general tiene un público grande dentro del país y cada vez crece más. Aparte de que tiene un público importante en el extranjero, no solo en los festivales. Por ejemplo un festival como Sundance tiene cierto mercado y las películas que aquí participan, como en otros festivales como Berlín o Cannes, aparte de los premios destacados que se puedan recibir, tienen una vinculación con distribuidores de otros países. El cine mexicano se exhibe en todo el mundo, en cines comerciales y en televisión, en plataformas alternativas. La tendencia es positiva y tenemos un gran público en el país”.

«En forma de una comedia de humor negro con tintes surrealistas –que el propio realizador compara con Luis Buñuel-, se trata de una crítica audaz a las extravagancias y absurdos de un capitalismo en decadencia.»

Fotograma: «Tiempo Compartido»: IMDb

En un país en el que hace doce años sólo se producían menos de 5 películas, hoy se cuenta con un volumen de alrededor de 170 películas, lo que para Chavezmontes es un indicativo de una industria saludable. “Esto habla de una salud industrial además de que hay una diversidad enorme de propuestas. Esta diversidad ya no radica en polos diametralmente opuestos como era hasta hace unos años donde tienes el cine de autor, de no actores, de realismo social y al mismo tiempo las películas para el gran público”.

La diversidad para él es que esos polos han aumentado sus fronteras y que el público mexicano ha sido receptivo a esta diversidad. “Una de las cosas que a mí me parece desacertado es que la prensa diga que el cine mexicano es invisible en el país o que no hay público. Esto parte de un error que es no ver que en México hay dos tipos de cine, el de estudio y el independiente. El independiente que puede ser comercial como Cásese quien pueda (2014), ¿Qué culpa tiene el niño? (2016), Nosotros los nobles (2013); y el otro independiente que va por la vía artística como las películas de Carlos Reygadas, o las nuestras. Cuando hay un estudio de Hollywood detrás, hay una maquinaria infinita de marketing y publicidad que permite que la gente sepa y este consciente de la existencia del proyecto desde su momento de desarrollo hasta el estreno que sale con miles de copias».

Chavezmontes cuenta que en Estados Unidos el cine que se produce y se distribuye de forma independiente apenas llega al 1%, mientras que la taquilla del cine independiente de México oscila entre el 5% y el 15%. “Un éxito enorme dadas las circunstancias de producción del cine mexicano”.

Sebatian Hoffman Foto: Antonio Harfuch

Al respecto el productor y co-guionista menciona que  “México es un país que tiene 80 festivales de cine. Hay un circuito floreciente de cine independiente. Entiendo la invisibilidad de la que se habla, si estamos hablando de que no tenemos la visibilidad de un producto cultural invasivo y faraónico como un blockbuster estadunidense. El presupuesto que se gasta en promocionar esas películas es equivalente al de toda la producción que se hace en México. Esa exigencia me parece absurda”.

Ambos continúan un camino hacia el cine independiente artístico. Entienden a su segunda película como una propuesta autoral. “Realmente queremos encontrar nuestro público en México y sentimos que hay un público amplio. No de dos millones de espectadores pero sí a un público saludable. Vamos a buscar la estrategia correcta para alcanzar a ese público y ayudar a construir y a sostenerlo. Sabemos que contamos con el apoyo de los exhibidores como Cinépolis que es factor importante de la salud del cine mexicano”, finaliza Chavezmontes.

Conoce a los ganadores del Premio Maguey

Por: Patricia Ríos

En México, un país machista, homofóbico y conservador, la diversidad sexual está manchada por estigmas y tabúes. En este contexto socio-cultural es donde cada año, en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, se lleva a cabo el Premio Maguey a lo mejor del cine LGBTTTIQ: Lésbico, Gay, Bisexual, Transexual, Transgénero, Travesti, Intersexual y Queer.

«En México, un país machista, homofóbico y conservador, la diversidad sexual está manchada por estigmas y tabúes.»

Fotograma: Tinta Bruta

La preferencia sexual va más allá de la heterosexualidad, sin embargo, hemos aprendido que existe una manera de ser “normal”. En contra de las representaciones victimarias o morbosas de la comunidad LGBTTTIQ del México “normal” o “normalizado”, el premio Maguey nos abre la mirada a nuevas historias que rompen con prenociones sexuales y de género, y reivindican el lugar de dicha comunidad en el arte cinematográfico, como personajes y realizadores.

Este año la Competencia Oficial contó con películas provenientes de Brasil, Estados Unidos, España, Reino Unido, Canadá, Alemania, Portugal, Francia, Irlanda, Dinamarca y, por supuesto, México.

«Historias que rompen con prenociones sexuales y de género, y reivindican el lugar de la comunidad LGBTTTIQ en el arte cinematográfico, como personajes y realizadores.»

Fotograma: Miss Rosewood

En esta selección se exploran diversas historias: el regreso al hogar de una mujer en duelo, y el de un poeta después de la revolución portuguesa; una relación de amor tortuoso y destructivo entre dos mujeres; un entrenador de natación acusado de haber besado a uno de sus estudiantes; la vida de Antonio López, el ilustrador de moda más importante de los 70’s.

Las galardonadas, sin embargo, fueron tres: Tinta Bruta ganó el Premio Maguey, Ellen Page se llevó el Premio Maguey a Mejor Actuación por My Days of Mercy y Miss Rosewood arrasó con la Mención Honorífica y el Premio del Público.

 

• Tinta Bruta de Filipe Matzembacher y Marcio Reolon

Este es el segundo proyecto conjunto de los brasileños Filipe Matzembacher y Marcio Reolon, después de Beira Mar (2015), largometraje que cuenta la historia de dos adolescentes al borde de la adultez. Este trabajo estuvo nominado en la Berlinale, el Premio Maguey, el Festival Internacional de Cine Queer de Lisboa y el Festival de Cine de Taipei, y ganador a Mejor Película y el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Rio de Janeiro. Ahora, regresan con una historia que explora la adolescencia, la liberación sexual, los prejuicios sociales y la identidad.

«(Pedro) se convierte en este joven colorido y vibrante con el nombre “NeonBoy”, amado por la gente alrededor del mundo»

Fotograma: Tinta Bruta

 

Es Porto Alegre, una ciudad mediana en Brasil. Pedro se encierra en su cuarto, prende la webcam y baila tocándose el cuerpo con las manos llenas de pintura neón. Los brillantes colores de la libertad sexual adolescente contrastan con la opacidad de su profundo sentimiento de abandono y el contexto brasileño, todavía homofóbico, violento y conservador. El co-director Marcio Reolon dice que “Muy frecuentemente la gente crea esta versión idealizada de ellos mismos virtualmente. Eso es lo que hace nuestro personaje Pedro. Es un chico muy tímido, elusivo, no tiene amigos, pero cuando entra al internet se convierte en este joven colorido y vibrante con el nombre “NeonBoy”, amado por la gente alrededor del mundo” (“Hard Truths: An Interview with Marcio Reolon and Filipe Matzembacher on Tinta Bruta”: Filmint).

Previamente a los premios Maguey esta película fue exhibida en Panorama, en el marco de la Berlinale, y fue merecedora del Premio Teddy 2018 a Mejor Película.

 

• Miss Rosewood de Helle Jensen

 Helle Jensen, hija de daneses, nacida en Singapur, ha colaborado en varios proyectos como cinefotógrafa, desde cortometrajes hasta comerciales. Ahora nos presenta su primer trabajo como directora: Miss Rosewood (en el que igualmente se encargó de la fotografía).

Terrorista transgénero neoyorkina. Miss Rosewood es transgresora en muchos niveles, y no teme serlo, ya que piensa que si ofende a los demás es porque ha logrado llegar a ellos. Miss Rosewood destaca por ser una mujer que, con su pasión por el arte, expande horizontes dentro y fuera del escenario. Aunque en este documental presenciamos sus intrépidos e irreverentes espectáculos, también conocemos otras de sus facetas, como su vida como Jon Cory, sin maquillaje, sin tacones, sin medias, así como su vida cotidiana e íntima.

“Con este premio reconocemos a una persona quien, con una actitud transgresora, ha forjado una identidad como figura clave en la apertura hacia la diversidad sexual”

Rose Cory

Antes de participar en el FICG este proyecto participó también en CPH:DOX, el Durban Gay & Lesbian Festival de Sudáfrica, el Queersicht filmfestival de Suiza, el Kreivės Vilnius Queer Festival de Lituania y el Queer Porto de Portugal. Además, ahondando en el éxito de este documental, Rose Cory recibió el premio Maguey a Ícono Queer: “Con este premio reconocemos a una persona quien, con una actitud transgresora, ha forjado una identidad como figura clave en la apertura hacia la diversidad sexual” (Premio Maguey a Ícono Queer: FICG).

 

• My Days of Mercy de Tali Shalom Ezer

Tali Shalom Ezer, directora israelí, nos presenta su tercer largometraje, escrito por el guionista Joe Barton. A lo largo de su carrera Shalom Ezer nos ha adentrado en temas de sexualidad, género y relaciones familiares. Su largometraje Princess (2014) ganó tres premios en el Festival de Cine de Jerusalén y estuvo nominada en los festivales de Hamburgo y Sundance.

Ellen Page protagoniza junto con Kate Mara este drama romántico entre Lucy y Mercy. El padre de Lucy está condenado a muerte. El padre de Mercy era un oficial de policía quien murió en manos de un hombre ahora esperando la inyección letal. Por estas diferencias familiares ambas piensan de manera contradictoria sobre la pena de muerte, pero no por eso niegan la atracción que siente una por la otra, poniendo sobre la mesa una tensión entre ideales y amor.  Esta película tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto y después de competir por el Premio Maguey irá a Reino Unido para abrir el Festival de Cine LGBT de Londres.

«Ellen Page protagoniza junto con Kate Mara este drama romántico entre Lucy y Mercy (…) una tensión entre ideales y amor»

Fotograma: My Days of Mercy

Ellen Page nació en Halifax, Nueva Escocia, Canadá en 1987. Page ha actuado en diversos proyectos desde grandes blockbusters como Inception (2010) y la serie de películas de X-Men, hasta proyectos de bajo presupuesto como Hard Candy (2005) .A pesar de su corta edad, ha construido una carrera actoral admirable que le ha ganado premios de la Asociación de Críticos de Austin, Huston, San Diego, Nueva York, Las Vegas y Detroit, el festival de Cine Atlantic, los Premios de la Comedia Canadiense, los Premios Film Independent Spirit, e incluso una nominación al Premio Óscar a Mejor Actriz Principal por su papel en la película independiente Juno (2007).

Page declaró públicamente su orientación sexual en 2014 durante la Campaña de Derechos Humanos «Time to Thrive» en Las Vegas: «Yo sufrí por años por temer «salir del clóset». Mi espíritu sufría, mi salud mental sufría y mis relaciones sufrían. Estoy aquí hoy, con todos ustedes, desde el otro lado de ese dolor» manifestó la actriz.

«Mi espíritu sufría, mi salud mental sufría y mis relaciones sufrían. Estoy aquí hoy, con todos ustedes, desde el otro lado de ese dolor«

Ellen Page en el set de My Days of Mercy

En la reciente ola de denuncias de abusos sexuales en la industria cinematográfica, Page denunció al director Bret Ratner en un post en facebook: ««Deberías cogértela para que se de cuenta de que es gay» Dijo sobre mí durante una reunión de equipo antes de que empezáramos a filmar X Men: The Last Stand. Tenía dieciocho años«. En esa misma declaración mencionó que otro director (sin mencionar su identidad) se le había insinuado cuando ella tenía dieciséis.

En dicho post, la actriz expresa la vergüenza que sentía por ser lesbiana gracias a la homofobia y destacó los resultados de la epidemia de la violencia hacia la mujer, tales como el salario desigual entre hombres y mujeres, el silenciamiento de las víctimas de abuso por circunstancias económicas o de poder. Asimismo destacó la lucha de las mujeres nativas y de color, así como de la comunidad Trans y Queer en contra de estas injusticias.

*

Todavía hay mucho camino por recorrer para romper la tiranía de los roles de género y la discriminación por orientación sexual en el mundo, más aún en un país como México, sin embargo existen iniciativas que nos acercan a las historias de la comunidad LGBTTTIQ desde el respeto, la apertura, la empatía y la discusión.

La característica mediática y masiva del cine ofrece un excelente espacio para promover la aceptación de la diversidad. En este marco, el Premio Maguey del FICG es uno de los más importantes impulsores a nivel nacional, internacional y cinematográfico. Un auténtico orgullo mexicano.

 

Fuentes: FilmInt; Variety; Programa de la Berlinale; Programa y noticias del FICG; IMDb; YouTube; MsRosewood.com; Toronto International Film Festival; Facebook; Hollywood Reporter.

 

El apoyo de Guillermo del Toro a los jóvenes cineastas mexicanos

Por: Patricia Ríos

El pasado sábado 10 de marzo, en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, Guillermo del Toro regresó a su hogar con un Óscar en cada mano para dar una serie de clases magistrales. Después de largas filas, la sala Plácido Domingo se llenó particularmente de jóvenes para recibir al director tapatío con una ovación de pie.

«El tapatío siempre les inyecta su parte mexicana a sus proyectos, quien dice que hace personajes que “a ninguna otra nacionalidad se le ocurriría”.»

Fanáticos de Guillermo del Toro. Foto: FICG

El director se ha convertido en una imagen del cine mexicano tanto para el ojo nacional como el extranjero. A pesar de que sus últimos trabajos viajan por España y Estados Unidos, el tapatío siempre les inyecta su parte mexicana a sus proyectos, quien dice que hace personajes que “a ninguna otra nacionalidad se le ocurriría”.

En su carrera, del Toro nos ha acercado a hadas, faunos, dioses amazónicos y hasta superhéroes en entornos poco probables que les dan personalidad a sus personajes, como un vampiro de clase media mexicana en Cronos (1993). Además, destacó que los cayos en los personajes de Pacific Rim (2013) son alebrijes, que los mosaicos están presentes en casi todas sus películas y que la única manera en la que La forma del Agua (2017) pudo ser hecha fue gracias al ingenio mexicano: “Se hizo con pura maña”.

«Después de largas filas, la sala Plácido Domingo se llenó particularmente de jóvenes para recibir al director tapatío con una ovación de pie»

La sala Plácido Domingo al tope de su capacidad. Foto: FICG

Añadió que si “pudiste hacer cine en México, puedes hacer cine donde sea” porque es la adversidad la que te prepara y enseña a no dejarte vencer, sino a construir y ayudar a los demás. Es por ello que del Toro ha promovido el cine en México, desde becas para el desarrollo de películas en stopmotion hasta el impulso que les ha dado a festivales nacionales de cine como el mismo FICG.

Después de su primera clase magistral anunció junto con Raúl Padilla López, presidente de patronato del FICG, la beca “Internacional de cine Mary Jenkins-Guillermo del Toro” la cual cada edición del festival dará 60,000 dólares anuales por cuatro años a estudiantes de cine mexicanos en el extranjero.

“La razón por la que estoy aquí son los jóvenes” afirmó el director quien dedicó su premio Óscar a los jóvenes cineastas de todos los países “que le enseñan al mundo cómo se hacen las cosas”. A ellos dio varias recomendaciones sobre el tratamiento de un proyecto cinematográfico, así como la concepción del cine mismo.

“La razón por la que estoy aquí son los jóvenes”

Guillermo del Toro. Foto: FICG

Recomendó aprovechar los recursos inmediatos, ver cine y hacer cine con compañeros que también aprovechen sus recursos. Más allá de ayuda del gobierno y escuelas de cine “una mitad de la vida es tangible, y la otra es lo que haces de ella”, por ello hay que hacer cine con esperanza, fe, perseverancia y, cuando sea necesario, rabia.

El cine es alquimia, no química: “es tomar elementos que transmutas y devuelves convertido en oro”, entonces lo más importante para hacer cine más que el Qué es el Cómo: “Discutir el cine en términos plásticos. El trazo, el vigor del trazo, la composición de color, componente emotivo del color y la luz”, como lo harías con una pintura de Van Gogh. Por ejemplo, en La cumbre Escarlata (2015) el rojo significa el pasado mientras que en La Forma del Agua significa amor. El amarillo en Blade II (2002) ilumina la noche mientras que el azul lo hace en el día porque un vampiro vive el día como noche y viceversa. Este tipo de códigos hacen el lenguaje cinematográfico.

El trabajo de un director, menciona, poder coordinar todas las disciplinas con las que trabajas en un perímetro en el que cada una pueda ser creativa: “Es crear un sistema, un área dentro de la que puedas ser libre. La única condición es que al final de todo yo tengo la razón”, menciona entre risas.

El director afirma que desde el guion planea la puesta en cámara, ya que todo lo que se plasma en él debe ser comprobable por cámara y sonido. Después en filmación, ya que se conocen las locaciones, llega por las mañanas con un guion visual, y luego, una hora antes de que llegue el resto del equipo, bloquea todo lo que sabe para dar paso a la improvisación: “Todos los días hago storyboards”.

«Todos los días hago storyboards”

Sketches de El Laberinto del Fauno (2006)

Mostró su inclinación por personajes no puros y, por lo tanto, no aburridos, sino con dimensiones sexuales, humanas, emotivas, porque es en los defectos y trayectoria de cada uno donde se puede vislumbrar la personalidad. Lo más importante, sin embargo, es escribir personajes que comprendas. Asimismo, el tratamiento del guion debe ser proclive al cambio porque todo en el cine es evolución narrativa, pone el ejemplo de La Forma del Agua en la que el anfibio en los primeros borradores come al joven de los pays en vez de al gato, y destaca la importancia simbólica de este hecho en el tratamiento del personaje en esta historia de amor: “Es un dios, pero también come gatos. En toda relación llega a un punto en el que uno se come al gato.”

«Lo más importante, sin embargo, es escribir personajes que comprendas»

Fotograma de La Forma del Agua

“Hablemos de la Forma del Agua”, dice el moderador Leonardo García Tsao.

Varias veces enfatizó la improbabilidad de hacer una película como La Forma del Agua, desde su pitch como un melodrama-musical-comedia de fantasía, hasta la combinación de lo contra-intuitivo, es decir, mezclar elementos que no concuerdan: “Lo que constituye el fracaso es lo que constituye el éxito. Debes pensar en cosas que emocionen. Si no, no vas a provocar nada en nadie.”

Hay momentos en cada película en los que viene una emoción. En este proyecto el director encuentra tres: Uno, el momento en el que el anfibio sale a la superficie por primera vez y cierra y abre los párpados. Dos, en el que Elisa se quita la bata, entra en la tina y cierra la cortina. Tres, la escena del baile, porque ella, llena de gozo y como buen mexicano, al querer hablar decide cantar como “José Alfredo y una botella, o en su defecto un musical”.

“José Alfredo y una botella, o en su defecto un musical”

Fotograma de La Forma del Agua

Cuenta que, tras la proyección de la película en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, Fernando Cazals le dijo que había sido la primera vez que había soltado el aire. El director admite que en todos sus proyectos pasados escaseaba la esperanza y predominaba la pérdida: “Las demás tenían una inhalación tensa, triste”. Por ello, decidió “llegar con esta película que es de la tripa más profunda”, y ahora la considera como la historia que redondea todas las demás.

Respecto a sus dos premios Óscar el tapatío afirmó sentir una gran tranquilidad por el momento en el que sucedió: “A los 53 me da muchísimo más gusto porque sucedió en un momento que me da calma. Tener símbolos de éxito te pueden volver maniaco y ahorita estoy muy tranquilo”.

Guillermo del Toro no es sólo el último mexicano en ganar un premio de la Academia a Mejor Dirección y Mejor Película, ha sido también impulsor de festivales, profesor, cinéfilo, organizador de cineclubs, incentivador de la juventud y orgullosamente tapatío. En películas como La Forma del Agua vemos un latente amor por el cine, el cual transmite a las jóvenes generaciones de cineastas que, a pesar de preocuparse por falta de financiamiento, centralización del arte, métodos para vencer el miedo, etc., sienten una imperiosa necesidad por contar sus historias.

Las mujeres protagonizan la séptima edición del Premio Maguey

Por: Víctor Goch

El Premio Maguey del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), galardón que reconoce a lo mejor de la cinematografía mundial sobre diversidad sexual, celebra su séptima edición con una programación destacada por la presencia de mujeres al frente de las cámaras e historias protagonizadas por ellas.

“Siempre tratamos de cubrir la cuota LGBT, ser equitativos con cada una de las diferentes orientaciones y este año, curiosamente, es la primera edición en la que lo temas lésbicos se vuelven protagonistas de la misma”, comenta en entrevista Pavel Cortés, director del Premio Maguey.

Pavel Cortés, director del Premio Maguey

En sus palabras, este año resulta atípico al tener seis películas de corte lésbico en la competencia. “Algo nunca antes visto en las seis ediciones previas.”

“En ese sentido es una edición muy femenina porque además tenemos el caso de que muchas de estas películas son dirigidas por mujeres”, agrega Cortés.

La gala inaugural de Premio Maguey será con Disobedience (Estados Unidos, Inglaterra, Irlanda, 2017), el nuevo filme del director Sebastián Lelio, reciente ganador del Oscar a Mejor Película Extranjera por Una mujer fantástica (Chile, 2017). En este nuevo trabajo el cineasta chileno explora el tema lésbico mediante la historia de un amor prohibido entre dos mujeres interpretadas por las actrices Rachel McAdams y Rachel Weisz.

«Es la primera edición en la que lo temas lésbicos se vuelven protagonistas»

Fotograma: Disobedience (2017) de Sebastián Lelio

Por otro lado, la cinta de clausura es Miss Rosewood (Dinamarca, Estados Unidos, 2017), en la que la realizadora Helle Jensen expone a una autoproclamada terrorista transgénero en la escena hardcore de Nueva York.

“Una de nuestras homenajeadas principales también es una mujer, una directora en la industria porno, que que también es atípico: el rol femenino al frente de este tipo de producciones”, destaca Pavel Cortez. Se trata de Erika Lust, quien junto con Rosewood y  François Sagat, recibirá el Premio Maguey Icono Queer por su trayectoria.

Un homenaje a la historia del movimiento LGBTTTI 

Pavel Cortés celebra siete ediciones del Premio Maguey como un encuentro que se ha consolidado año con año. Para la imagen de este 2018, se eligió el tema Over The Rainbow, que además de hacer alusión a la canción de la emblemática película El mago de Oz (Victor Fleming, Estados Unidos, 1936), recuerda los famosos disturbios de Stonewall (1969), movimiento LGBT que tomó como himno dicha canción y a su ya fallecida protagonista Judy Garland como ícono.

“Cada edición tratamos de elegir un tema que nos identifique y pensamos que por primera ocasión podíamos hacer una referencia directa al activismo LGBT. Elegimos Over The Rainbow haciendo un tributo a Judy Garland y a El Mago de Oz, pero también porque la muerte de Garland se da en un contexto interesante porque es cuando surge uno de los primeros levantamientos por parte de la comunidad, los legendarios disturbios de Stanwall, algo que fue muy mediático e icónico.”

«La intención es hacer esta reflexión en torno al movimiento LGBT y cómo esto ha repercutido en la cultura cinematográfica.»

Cartel Over the Rainbow

Sobre el próximo 40 aniversario de la primera marcha LGBT en México, Pavel Cortés compartió que esta edición de Premio Maguey ha dedicado en su catálogo una serie de reflexiones y datos anecdóticos sobre las marchas a nivel mundial e incluso en un contexto local como en Guadalajara. “La intención es hacer esta reflexión en torno al movimiento LGBT y cómo esto ha repercutido en la cultura cinematográfica.”

A todo este homenaje Over The Rainbow se suman las esculturas EMME de este año, el reconocimiento que otorga el Premio Maguey a las mejores películas y homenajeados. En esta ocasión las piezas han sido intervenidas por el artista tapatío CORONEL, quien ha plasmado en cada una de ellas un personaje o elemento de la película El mago de Oz.

 Una digna representante México

Este año solamente una película representa a México en la competencia del Premio Maguey. Se trata de Los días más oscuros de nosotras (2017), de Astrid Rondero.

«Siempre tratamos de que haya una representación cinematográfica nacional, y se logra de manera sublime con esta película, es una digna representante película mexicana.»

Los días más oscuros de nosotras (2017), de Astrid Rondero

“Es la única mexicana que compite, pero es el mismo caso de otros países. Siempre tratamos de que haya una representación cinematográfica nacional, y se logra de manera sublime con esta película, es una digna representante película mexicana.”

Cortés agrega: “Si bien nosotros tratamos de impulsar y consololidar la industria cinematográfica mexicana, tampoco consideramos que el lugar de origen debe ser como una cuota obligatoria.”

La programación de películas se completa con otros 13 títulos en competencia provenientes de 12 países, y un total de 21 cintas en exhibición como lo nuevo de Bruce La Bruce, It Is Not the Pornographer That Is Perverse…, y la reciente ganadora del Teddy Award del Festival Internacional de Cine de Berlín: Tinta bruta (Filipe Matzembacher, Marcio Reolon, Brasil, 2018).

El Premio Maguey tendrá sus actividades del 9 al 15 de marzo, en el marco del trigésimo tercer aniversario del Festival Internacional de Cine en Guadalajara. La programación completa puede ser consultada en:

 www.ficg.mx/maguey2018/index.php/en/