París, otoño de 1979. Después de que Loïs (su pareja y editora) la deja, Anne decide reconquistarla grabando su película más ambiciosa junto con su amigo Archibald, proyecto interrumpido por el asesinato de uno de sus actores.
Knife + Heart, dirigido por Yann Gonzalez, escrito por él y Cristiano Mangione fue producido por CG Cinéma y Arte France Cinéma, por parte de Francia; Garidi Films por parte de Suiza; y Piano, casa productora de Julio Chavezmontes por parte de México.
Yann Gonzalez no es un extraño en el Festival de Cannes. Su ópera prima Los Encuentros Después de Medianoche participó en la Semana de la Crítica de 2013, así como su último cortometraje Les Iles, con el cual ganó la Queer Palm el año pasado y el Premio del Jurado en Queer Lisboa.
Anne decide reconquistar a Loïs grabando su película más ambiciosa junto con su amigo Archibald
Vanessa Paradis y Nicolas Maury como Anne y Archibald en Knife + Heart (IMDb)
“El cine para mí es sentimientos, sentimientos en la etapa pura, en situaciones eróticas o amorosas; más aún, donde el erotismo y el amor se interconectan y los sentimientos son revelados” (Semaine de la Critique). De este modo Gonzalez le confiere a planos cercanos a las caras de sus actores, y a la música (el electro pop de M83, el avatar de su hermano Anthony) la responsabilidad de llevar al espectador a un punto que mezcla el voyeurismo con la empatía.
El erotismo, el amor, el deseo y el dolor son temas recurrentes en el trabajo del director. En Los Encuentros Después de Medianoche retrata a siete personas, todas unidas por la soledad, que “curan sus heridas en una noche”. La velada comienza con una orgía que poco a poco deviene en una indeleble, aunque corta amistad, como es frecuente en cualquier historia de amor que supera la pasión inicial del enamoramiento: “Todo el mundo puede identificarse con el sexo” (Noticias 22), menciona el director quien, a partir de la ternura de la película, busca dar un mensaje de esperanza.
Yann Gonzalez se ha presentado en Cannes con Los Encuentros Después de Medianoche y Les Iles, ganador de la Queer Palm
«Los Encuentros Después de Medianoche» (IMDb)
«Les Iles» (IMDb)
Yann Gonzalez nació en Niza en 1977, y recibió formación periodística, la cual ejerció por muchos años haciendo críticas de cine. Fue en 2006 con el cortometraje By the Kiss que incursionó en la realización y comenzó una larga relación con su musa Kate Moran, quien ha actuado también en Les Iles, Los Encuentros Después de Medianoche y su segundo largometraje Knife + Heart, donde interpreta a Loïs.
Junto con Moran está Nicolas Maury como Archibald y como Anne la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis, quien fue miembro del jurado en Cannes 2016, cuando se premió el filme I, Daniel Blake de Ken Loach con la Palma de Oro. Paradis hace su regreso al cine interpretando a este personaje protagónico, que es tanto interesante como retador: una mujer fuerte, lesbiana, productora de cine porno gay.
Vanessa Paradis interpreta auna mujer fuerte, lesbiana, productora de cine porno gay
Knife + Heart (IMDb)
Con colores intensos y estridentes, secuencias sexuales explícitas, esta película es una de las más esperadas del cine queer este año. Es de las 4 películas francesas en competencia junto con Les Filles du Soleil de Eva Husson, En Guerre de Stephane Brizé y Plaire, Aimer et Courir Vite, de Christophe Honoré, con quien además está en competencia por la Queer Palm este año. Este thriller tendrá su estreno mundial en el Festival de Cannes este 17 de mayo a las 10 pm.
La Muestra Internacional de Cine nació como sustituto de la Reseña Anual de Festivales Cinematográficos de Acapulco, y desde sus inicios cambió el glamour acapulqueño de los ‘50s por la difusión del cine de vanguardia nacional e internacional, reconocido por la crítica y los festivales alrededor del mundo: «El festín anual de más de veinte películas, transformó por completo el panorama de la exhibición de cine de arte en México y de modo especial la relevancia de la muestra, dejó de ser un evento social glamoroso y de elite como lo era el de Acapulco, para convertirse en el evento de mayor goce cinéfilo por excelencia«. (Carlos Bonfil citado en “Cineteca Nacional edita libro que revisa la esencia e historia de la Muestra”: 10 de noviembre de 2014).
«La Muestra cambió el glamour acapulqueño de los ‘50s por la difusión del cine de vanguardia»
Desde su primera edición el 16 de noviembre de 1971, la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional ha sido testigo de los grandes cambios sociales, políticos, económicos y culturales del mundo, desde la URSS hasta la RDA, desde el incendio de 1982 hasta el sismo de 1985, desde Salvador Allende hasta Donald Trump. En sus 47 años a través de su selección de películas, nos ha presentado un sinfín de historias: vampiros artistas en Detroit, niños refugiados en la frontera iraquí-turca, gitanos yugoslavos, los sueños de un director de cine japonés, rebeldes espaciales luchando contra un imperio.
Ha sido sede de exhibición de grandes películas de culto como Pink Floyd: The Wall (1982) de Alan Parker, E.T. (1982) de Steven Spielberg, El Exorcista (1973) de William Friedkin, El Enigma de Kaspar Hauser (1975) de Werner Herzog, Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick, Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese, Blue Velvet (1986) de David Lynch, Barton Fink (1991) de Joel Coen, The Sweet Hereafter (1997) de Atom Egoyan, Festen (1998) de Thomas Vinterberg, Monty Python’s Meaning of Life (1982) de Terry Jones, por sólo nombrar algunas de las más de 1000 cintas que ha mostrado.
«Ha presentado también aclamadas películas sobre género y diversidad sexual»
Las Elegidas
Perfume de Violetas
La Ley del Deseo
Por si fuera poco, ha presentado también aclamadas películas sobre género y diversidad sexual tales como La Ley del Deseo (1986) de Pedro Almodóvar, eXXXorcismos (2002) de Jaime Humberto Hermosillo, Perfume de Violetas (2000) de Maryse Sistach, Las Elegidas (2015) de David Pablos y La Vida deAdéle (2013) de Abdellatif Kechiche.
La primera película mexicana que se presentó fue Muñeca Reina (1971) de Sergio Olhovich, y a partir de entonces ha proyectado importantes títulos mexicanos como Los Cachorros (1972) de Jorge Fons, Canoa (1975) de Felipe Cazals, Cronos (1992) de Guillermo del Toro, y más recientemente Tempestad (2016) de Tatiana Huezo, Güeros (2014) de Alonso Ruizpalacios y Los Insólitos Peces Gato (2012) Claudia Sainte-Luce.
«La primera película mexicana que se presentó fue Muñeca Reina (1971) de Sergio Olhovich, y a partir de entonces ha proyectado importantes títulos mexicanos»
La Tempestad
Los Insólitos Peces Gato
Este año su 64º edición no es excepción para el desfile de grandes cineastas. Su selección mexicana es De la Infancia (2010) de Carlos Carrera (ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes por su cortometraje Héroe) la cual inaugurará la Muestra el 23 de marzo. La película retrospectiva este año es Stalker. La Zona (1979) del soviético Andrei Tarkovski, quien ya ha sido proyectado en el festival con películas como Solaris (1972) y El Sacrificio (1986) en la III y XX Muestra respectivamente. Además, se cuenta con el último documental de la gran cineasta belga Agnés Varda en conjunto con JR, titulado Visages villages (2017), cinta nominada a los 90º Premios Óscar a Mejor Documental, convirtiéndose en la persona con más edad en conseguir una nominación (este año, además, la cineasta recibió un premio Óscar honorario por su importante trayectoria cinematográfica).
«Este año se cuenta con el último documental de la gran cineasta belga Agnés Varda en conjunto con JR, titulado Visages villages»
Agnés Varda y JR en la ceremonia de los 90º Premios Óscar
La lista completa de la Muestra este año es:
Amante por un día (Philippe Garrel, 2017)
Corazón silencioso (Bille August, 2014)
De la infancia (Carlos Carrera, 2009)
El ciudadano ilustre (Mariano Cohn, Gastón Duprat, 2016)
El tercer asesinato (Hirokazu Kore-eda, 2017)
Ensiriados (Philippe Van Leeuw, 2017)
Joaquín (Marcelo Gomes, 2017)
La maestra (Jan Hrebejk, 2016)
La maldición de Thelma (Joachim Trier, 2017)
Lucky (John Carroll Lynch, 2017)
Porto (Gabe Klinger, 2016)
Rostros y lugares (Agnès Varda, JD, 2017)
Stalker. La zona (Andrei Tarkovski, 1979)
Un final feliz (Michael Haneke, 2017)
Fuentes: Cineteca Nacional (Noticias, Muestras Internacionales de Cine, 64º Muestra Internacional de Cine).
From political demonstrations and marches for women rights, to the international solidarity of the hashtag #MeToo or #NiUnaMenos, the world is currently undergoing changes regarding the way in which women are integrated into society. The film industry is not the exception.
Now, as a result of the accusations of sexual abuses by Harvey Weinstein that provoked a domino effect in Hollywood, the discussion about the representativity that women have in the cinema is now opened.
This year, in the 68th edition of the Berlin International Film Festival, we see women with a long cinematographic trajectory competing for the Golden Bear, which could be characterized by taking risks in terms of the stories they want to tell.
These are the four female directors in competition at the Berlinale:
Adina Pintilie – Touch me not
Visual artist and Romanian director. Graduated from the Caragiale University of Theatrical Arts and Cinematography in Bucharest. Her work draws on the influence of the visual arts, the subtle boundary between fiction and documentary and the psychological analysis of the characters.
Since 2010 she has been a curator at the BIEFF (Bucharest International Experimental Film Fest), work that she alternates with the direction. Her short film Oxigen (2010) earned her several nominations at international film festivals such as in Warsaw and Rotterdam. During her career as a director, Pintilie has portrayed from psychiatric patients to an escape from communist Romania.
She now directs, writes and produces Touch me not, her first fiction feature film also nominated for best film at the Teddy Awards. It tells a story about intimacy, its search and animosity, through three characters: Laura, Tómas and Christian.
This is an artistic project supported by the Pompidou Center in Paris, the National Museum of Contemporary Art in Bucharest, the Museum of Modern Art in Warsaw and the Leipzig Spinnerei Art Center. It was also produced by Les Films De L’Etranger (4 Months, 3 Weeks and 2 Days, by Cristian Mungiu, 2007) and Rohfilm (Te prometo anarquía, by Julio Hernández Cordón, 2015). Since its inception, it was selected by the Atelier Film Foundation of the Cannes Film Festival, Cinemart, Tornino Film Lab and Binger FilmLab.
Laura Bispuri – Daughter of mine
This Italian director was born and studied art in Rome. Bispuri had already dealt with issues about gender with her previous film Sworn Virgin (2015), in which a woman who, after declaring herself a virgin, decides to live in the mountains as a man. This project earned her the First Youth Film Festival Jury Prize, the Young Film Award at the Hong Kong International Film Festival, the Nora Ephron Prize at the Tribeca Film Festival and the New Directors Prize at the San Francisco International Film Festival.
With Daughter of mine, the director returns, in collaboration with Francesca Manieri in the script, with a story inspired by the memoirs of the American writer A.M. Homes, about mutual understanding and female identity told from three different points of view: a nine-year-old girl and her two mothers, the adoptive and the biological, who now wants to recover her.
Produced by The Match Factory, which also competes with The Real Estate (2018), Vivo Films (Sworn Virgin) and the Italian Ministry of Culture, among others.
Emily Atef – 3 days in Quiberon
She was born in West Germany in 1973. Among her past works is Das Fremde in Mir (2008), which portrays the story of Rebecca, a woman who after giving birth enters a stage of darkness and despair. This story was part of the Official Selection of the International Critics’ Week in Cannes, won a SIGNIS award at the Mar del Plata Film Festival and multiple awards at the Oldenburg Film Festival.
Now, with 3 Days in Quiberon, Alef tells the last interview with the Austrian actress Romy Schneider who, from a spa hotel in Quiberón in 1981, tells her life to two journalists of STERN magazine. In it, she tells the stories that could well define her as a woman: mother and movie star.
Produced by Beta Cinema, who are also in competition with the title In the Aisles, by Thomas Stuber (2018).
Malgorzata Szumowska – Twarz
Polish director, graduated from the prestigious National School of Film, Television and Theater Leon Schiller in Lodz. Szumoska is no stranger to the film scene in Berlin since she won the Silver Bear for Best Direction in 2015 for Body (2015), the Teddy Award for In the Name of (2013) and was a member of the jury of the Official Competition of the 66th Berlin International Film Festival in 2016. In addition, she is the winner of the Silver Leopard at the Lorcano Festival for 33 Scenes from Life (2008).
Through her films, we have seen different stories: a man who has just lost his wife; artists in crisis; a homosexual priest. In her film Elles (2011), starring Juliette Binoche, she portrays a journalist who investigates two young prostitutes in Paris, reconstructing their life stories, from their roles as women and as daughters.
Twarz, her competing film, is about a man who, after a face transplant due to an accident that disfigures him, has identity and self-recognition problems. This project is supported by the company Memento Films, which has currently been recognized for the success of the Oscar-nominated film Call me by your Name (2017).
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Sources: IMdB; Programa de la 68º Berlinale; Rohfilm Factory; Variety; Memento Films; The Match Factory Films; Torino Film Lab.
Desde su debut en Sundance 2017 Call me by your name, la última película de Luca Guadagnino (I am love, 2009; Melissa P., 2005), ha robado el corazón de los espectadores y la atención de los festivales, desde Berlín hasta Nueva York. Nominada a 4 premios Oscar (Mejor Película, Mejor Actor Principal, Mejor Música Original y Mejor Guion adaptado) esta película basada en la obra homónima de André Aciman, retrata el verano de un joven que no volverá a experimentar el amor de la misma manera.
A través de hermosos paisajes italianos y los momentos en los que la vida misma se convierte en una obra de arte, Call me by your name es un filme fresco y refinado en cuanto a la sensualidad y belleza presentes en ella, tanto en curvilíneas estatuas helénicas como en las piernas de un adolescente entrelazando a las de otro hombre, mirada ya recurrente en el director quien en sus trabajos pasados ha presentado historias sobre el deseo clandestino y culminado.
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Ya en A Bigger Splash (2015) Guadagnino nos había presentado una película del ocio y relaciones amorosas de la clase alta en paisajes paradisiacos. Inspirado en La Piscine (1969) este trabajo presenta a Tilda Swinton como Marianne Lane, una estrella de rock que pasa unas sensuales y tranquilas vacaciones con su novio (Matthias Scoenaerts) hasta que su ex pareja, grandiosamente interpretado por Ralph Fiennes, los visita junto con su hija de 17 años (Dakota Johnson), con quienes entablarán relaciones de celos y tensión sexual. Siguiendo este estilo el director hará Call me by your Name.
«Un extraño llegará a permear la gruesa coraza de un joven en pleno despertar sexual.»
Fotograma: Call me by your Name
Es el norte de Italia en 1983, la familia Perlman (Michael Stuhlbarg, Amira Casar) recibe en su opulenta casa de campo a Oliver (Armie Hammer), un estudiante estadounidense que está trabajando en su tesis doctoral. Elio, el hijo del matrimonio (Timothée Chalamet), comienza de manera inmadura, entre críticas y una ineludible atracción, a sentir curiosidad por su invitado. Este acercamiento no es común en Elio ya que su inseguridad adolescente le hace temer por el rechazo o el odio de los demás, por lo que se encierra en su música y libros. Será así que un extraño llegará a permear la gruesa coraza de un joven en pleno despertar sexual.
Al inicio de su relación, Elio se refiere a Oliver como el «intruso» porque le debe prestar su cuarto por las vacaciones. Después de un par de días lo califica como arrogante y grosero por la manera cortante en la que se despide con un muy estadounidense «later«. Un típico adolescente en la primera fase del enamoramiento: la atracción disfrazada de animadversión.
«El amor que presenciamos en esta película es uno que cambia dos vidas por completo y toca a todos a su alrededor en su ternura y unicidad.»
Fotograma: Call me by your Name
¿Cuándo comienza el enamoramiento? ¿Será con la primera confidencia? ¿Con el primer contacto piel con piel? El amor viene de manera inesperada y se alimenta de pequeñas cosas como una flama que con ramita y ramita llega a ser hoguera: canciones en el piano, artículos académicos, partidas de cartas y otras pequeñas sorpresas que guardan en sí un deseo por descifrar y dejarse descifrar por el otro.
El fuego se sale de control cuando Elio busca entrometerse en la vida amorosa de Oliver sin saber que él lo desea. Tras una tregua pactada con el brazo de una estatua de Venus, la diosa romana del amor, se rompe el hielo entre los dos, y así Elio pasa a la segunda fase: el acercamiento, aunque sea a hurtadillas.
«El amor que presenciamos en esta película es uno que cambia dos vidas por completo y toca a todos a su alrededor en su ternura y unicidad porque nada los detuvo.»
Fotograma: Call me by your Name
La madre de Elio les cuenta una historia sobre una princesa que ama a un hombre bajo un velo de amistad, sin saber que él la ama de regreso. Expresar nuestro amor tiene consecuencias, pero llegará un momento en el que se deberá hacerlo, piensa el hombre, lo cual resuena en la mente de Elio. “Hablar o morir”, narra su madre, porque, como cualquier enamorado puede afirmar, no compartir nuestro amor es morir lentamente dentro de nosotros mismos. Entonces Elio decide hablar al lado de una estatua de jóvenes que murieron durante la Iª Guerra Mundial. Contra el miedo la valentía, y con la valentía la tercera etapa: el amor profeso.
La búsqueda de reciprocidad viene acompañada de añoranza y duda ¿Será sólo algo pasajero? ¿Sentirá lo mismo que yo? Elio resiente la ausencia de Oliver. Tonos azules y verdes como de ensueño acompañados de una canción de Sufjan Stevens demuestran el anhelo, la espera, la incertidumbre.
«Hablar o morir, narra su madre, porque, como cualquier enamorado puede afirmar, no compartir nuestro amor es morir lentamente dentro de nosotros mismos.»
Fotograma: Call me by your Name
«Madura» le dice Oliver, quien por su parte se siente cada vez más tentado por el deseo simbolizado en las esculturas antiguas que estudia. Entrando a la cuarta fase, el amor consumado, por primera vez tenemos a un Oliver vulnerable que se encuentra sorprendido de sí mismo por cómo ha llegado a ilusionarse, como un adolescente.
La raíz latina de «albaricoque» significa precoz. En una arquetípica experimentación adolescente, a lo largo de la historia vemos a Elio teniendo sexo con Marzia, su amiga francesa (Esther Garrel), y masturbándose con un albaricoque en una de las escenas más memorables, pero más allá de la experimentación sobre la cual tiene el control, Elio se siente trastocado por el intruso del cuarto contiguo que a medianoche se convirtió en su amante.
«Ahora hay tristeza, dolor, no lo mates, y regocíjate en la alegría que sentiste»
Fotograma: Call me by your Name
La quinta fase: la plenitud. Cuando no hay nada que ocultarse (ni siquiera la masturbación con frutas), cuando se pueden confesar los intentos iniciales de seducción, cuando no hay tapujos que impidan besar o abrazar, cuando no importa no ver a Marzia. Cuando, a pesar de amar sinceramente, el tiempo parece ser el enemigo. En un abrir y cerrar de ojos, la sexta fase: la despedida.
Cada quien regresa a su vida, pero algo sucede con todo regreso, algo que le sucedió a Ulises en Ítaca y a Gardel con la frente marchita. Oliver escribe sobre el río de Heráclito: “Algunas cosas cambian sólo para permanecer iguales”. Después de aquel verano permanecerá la opulenta casa de campo, los libros y albaricoques dentro de ella; permanecerán estatuas helénicas escondidas en el mar; permanecerán las cenas familiares y los académicos de visita. Elio y Oliver, por su parte, nunca serán los mismos.
«Algo sucede con todo regreso, algo que le sucedió a Ulises en Ítaca y a Gardel con la frente marchita.»
Fotograma: Call me by your Name
La séptima y última fase tiene lo mismo de expiación que de esperanza: el duelo. El padre de Elio lo consuela diciéndole: Cómo vives tu vida es tu asunto, pero recuerda: nuestros corazones y cuerpos se nos son dados una sola vez, y antes de que lo sepas ya gastaste tu corazón, y en cuanto a tu cuerpo, llega un punto en el que nadie lo quiere ver, mucho menos acercársele. Ahora hay tristeza, dolor, no lo mates, y regocíjate en la alegría que sentiste. En una poderosa escena final, espectacularmente actuada por Chalamet, Elio al fin ha madurado.
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El amor que presenciamos en esta película es uno que cambia dos vidas por completo y toca a todos a su alrededor en su ternura y unicidad porque nada los detuvo, como bien describe el padre de Elio en su hermoso discurso final citando a Montaigne: parce que c’etait lui, parce que c’etait moi (porque era él, porque era yo).
Call me by your name es una celebración del amor que nos enseña a vivirlo al máximo durante cada una de sus etapas. Con gran sensualidad, ya sea en la desnudez de un albaricoque o la de un cuerpo humano bañado por los rayos del sol, Guadagnino nos cuenta la historia de madurar a raíz de un amor, de encontrar la valentía para sentirlo hasta las últimas consecuencias, y recuperarnos para amar una y otra vez.
El director nos brinda una película de amor entre hombres, sin tabú ni morbo ni castigo, con una sexualidad natural tanto a la historia como a sus personajes, cargada de emotividad, inteligencia y pasión, abriendo la puerta a muchas conversaciones, desde la aceptación o rechazo familiar de la homosexualidad hasta los convencionalismos de género en el amor, pero sin duda lo que causa en el espectador, gracias a su poder de reminiscencia y empatía, es el recuerdo de aquel primer gran amor que nos hizo crecer y madurar.
El Programa de Género y Diversidad Sexual de Morelia presenta el primer episodio de su podcast, de dictado a la película Call me by your Name (2017) de Luca Guadagnino ganadora del Óscar a Mejor Guion Adaptado.
En Believer de Don Argott (Rock School, 2005) Dan Reynolds miembro mormón y vocalista de la banda estadounidense Imagine Dragons, busca abrir puertas para que la Iglesia Mormona acepte a la comunidad LGBTQ y al matrimonio igualitario. En sus esfuerzos por lograrlo, Reynolds organizará en 2017 un concierto #Loveloud, donde reunirá a más de 20 mil personas a celebrar la diversidad sexual en Utah, sede mundial de la Iglesia Mormona.
Dan Reynolds, vocalista de Imagine Dragons
En forma de un documental que coquetea con el formato de reality show, Reynolds hace una crítica desde lo personal a la falta de apertura de la comunidad mormona. Primero, explicando que las mejores amigas de su esposa (Aja Volkman) no pudieron asistir a su matrimonio por ser lesbianas. Para después presentar el testimonio de su amigo Tyler Glenn, vocalista de Neon Trees, ex-comunicado (la ex-comunión mormona) por ser abiertamente gay. En otro momento, Reynolds busca profundizar en el tema y entrevista a un psiquiatra –también ex-comunicado por propiciar diálogos no permitidos con la comunidad LGBTQ- y finalmente incluir, el desgarrador testimonio de una familia cuyo hijo se suicidó aparentemente por su homosexualidad.
Si las complejas problemáticas alrededor del rechazo gay mormón, no son abordadas desde el interior de la misma Iglesia (no hay ningún consejero de la Iglesia que sea entrevistado), el documental prefiere centrarse en la misión mesiánica de Reynolds por sanar las heridas provocadas por una división que se ha agravado hasta niveles preocupantes de salud pública.
Tyler Glenn, vocalista de Neon Trees (portada de su álbum de 2016, ‘Excommunication’)
Misión llevada a cabo con insistencia y con la que proviene de una comunidad que parece ser más fuerte que su Iglesia. Aprovechando su liderazgo como estrella pop, Reynolds pone una mirada directa sobre esta problemática y la capitaliza a través del éxito de un evento al que el psiquiatra nombra el Woodstock de los Mormones. Argott graba estos esfuerzos nobles de Reynolds donde atisbamos su impacto como creyente de un mundo más incluyente.
Director: Don Argott. Productores: Heather Parry, Sheena M. Joyce, Robert Reynolds. Música: Hans Zimmer. Duración: 110 minutos. País: Estados Unidos.
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