«OASIS» DE LA CLANDESTINIDAD A LA VISIBILIDAD. Entrevista con Alejandro Zuno

«En general creo que todo el cine de diversidad además de tener un valor cinematográfico, también tiene un valor social cuando aporta a la visibilidad».

En Oasis, segundo cortometraje de Alejandro Zuno (Cuarto de Hotel, 2016), Ofelia (Norma Pablo) sale del metro Bellas Artes de la Ciudad de México y camina por la emblemática Alameda Central del Centro Histórico. Tiene un objetivo: encontrar el Bar Oasis, donde, según una amiga suya, su marido Agustín pasa las noches bailando con otros hombres. La vida es azar, casualidad y lo que se creía encontrado es sólo un paso a lo que en verdad se necesita. Ofelia, en la búsqueda de lo que pensaba era suyo, hallará algo nuevo, Jackeline (Morgana Love), una prostituta transgénero que la levanta de su caída ante la revelación del Oasis.

Zuno, realizador, guionista y editor cuequero, siguió los pasos de Ofelia por la línea azul del metro para llegar a la función del Programa de Diversidad Sexual + en el Museo Memoria y Tolerancia, donde Oasis (recientemente galardonado con el Premio Ariel y la Diosa de Plata) fue presentado para participar en el cine debate del Centro Educativo Tuper y responder a las preguntas respecto a su inspiración para el diseño de arte, hasta sus preocupaciones por la situación socio-política de la comunidad LGBT+ en México. “Pensaba que iba a haber mucha gente joven y mucha gente gay. Me di cuenta que había un público muy diverso. Siempre es muy enriquecedor escuchar sus comentarios”.

Alejandro Zuno durante la sesión de Q&A en el Museo de Memoria y Tolerancia (Patricia Ríos)

• El CUEC y el oficio del asistente de dirección.

“Me dejé llevar por esta cosa de asistir, asistir, asistir, y de repente me entró esta necesidad muy fuerte por dirigir. Entonces levanté Cuarto de Hotel de mi dinero, sin apoyo, y en realidad mi único objetivo era volver a dirigir”.

En 2002, Zuno comenzó sus estudios en el CUEC donde conoció a Ernesto Conteras (Párpados Azules, 2007), a quien considera su “padrino cinematográfico”. “Él iba saliendo del CUEC cuando yo entré. Generalmente dos alumnos destacados de la última generación forman parte del comité de selección de la nueva generación. Cuando yo entré en ese comité de selección estaban Ernesto Contreras y Alejandra Sánchez (Smuack, 2015). Ernesto me asesoró en la tesis, me invitó a asistirle en dirección en Las Oscuras Primaveras (2014), y tenemos una relación armónica de colaboración, de intercambiar opiniones. Él me da a leer sus guiones, yo le doy a leer los míos; nos vamos a tomar un mezcal y platicamos de nuevas sugerencias”.

Una de las huellas más importantes que le dejó su periodo universitario fue la camaradería con sus compañeros de generación, con quienes sigue colaborando en proyectos, como con su fotógrafa Ximena Amann: “Nos conocemos tan bien que ella sabe mis gustos, yo sé lo que le gusta a ella. Poner la cámara, encuadrar, hoy resulta muy sencillo.” Fue en esta época cuando comenzó a establecer las preocupaciones que guiarían su trabajo, particularmente aquellas en las que se encuentren la sinceridad y un impulso enraizado en historias profundas y personales.

En el CUEC tuvo a maestros como Roberto Fiesco (Club Amazonas, 2016) quien menciona haberle dado su primera oportunidad como segundo asistente de dirección. “A mí este oficio me ha permitido vivir del cine”, menciona el cineasta que también ha colaborado con Astrid Rondero (Aguas Quietas, 2011), Luis Urquiza (Obediencia Perfecta, 2014), entre otros. Con agradecimiento y humildad, declara que ha aprendido mucho y que desde entonces ya sentía el ímpetu de dirigir su propio proyecto: “Me dejé llevar por esta cosa de asistir, asistir, asistir, y de repente me entró esta necesidad muy fuerte por dirigir. Entonces levanté el cortometraje Cuarto de Hotel (Selección Oficial, FICM 2016), de mi dinero, sin apoyo, y en realidad mi único objetivo era volver a dirigir. Ya tenía una necesidad muy fuerte por crear. Ahora lo que me está sucediendo es que tengo que irme despidiendo poco a poco de la asistencia y empezar a concentrarme en mis proyectos como director.” Este cortometraje significó no sólo el regreso de Zuno a la dirección, sino también el inicio de su firma autoral. En él se vislumbra una tenue pero enriquecida crítica social a la situación de las mujeres trans en México, relacionado con los temas morales, económicos, religiosos, morales y de derechos.

Fotograma de «Cuarto de Hotel» (Filmin Latino)

• Rostros de mujer, cuartos de hotel.

“En el cine mexicano hay muchas protagonistas mujeres, pero son protagonistas llenas de estereotipos y tienen preocupaciones superficiales. Me surge esa necesidad de visibilidad de otros rostros de la mujer”.

Un gran tema que ha comenzado a influir en su obra es el mundo femenino. Su primera influencia fue la relación con su madre: “Cuando yo nací ella tenía 18 años, estaba estudiando la carrera en la UNAM y estaba envuelta por un ambiente o búsqueda de cosas distintas. Yo recuerdo que en casa no había televisión y ella buscaba mostrarme otras cosas.” Aunque su madre es economista, se interesaba por acercar a Alejandro al cine. Un vívido recuerdo son las proyecciones infantiles en la Muestra Internacional de Cine: “Me llevó a ver películas francesas. Mucho tiempo después yo identifiqué ‘¡Ah, claro! Eso era de Chabrol (Le Beau Serge, 1958) y ella ni lo sabía.” Cuando le comentó sus intereses, ella se encargó de fomentar su primer acercamiento al cine: la actuación. “Me empezó a llevar a clases de teatro para niños, luego para adolescentes. Pasé casi toda mi adolescencia en la Casa del Teatro y ahí fue donde descubrí que existía un director que trabajaba con los actores y que llevaba la batuta”. La literatura también ha sido una herramienta importante de inmersión hacia ese universo. “Ahora estoy clavado con una canadiense que se llama Alice Munro (Premio Nobel de Literatura, 2013). Son historias cortas y siempre sus protagonistas son mujeres, me interesa mucho el mundo femenino.”

Su trabajo es el reflejo de historias sobre sus preocupaciones por la sexualidad y la identidad de género, en conjunto con sus implicaciones sociales. Dentro de sus personajes están prostitutas trans, jóvenes gay tomándose de la mano en público y mujeres sensibles pero fuertes. No es fortuito que dentro de sus principales influencias estén Pedro Almodóvar (La Ley del Deseo, 1987), François Ozon (La Piscina, 2003) y Julio Medem (Habitación en Roma, 2010): “Estoy viendo que en el cine mexicano hay muchas protagonistas mujeres, pero son protagonistas llenas de estereotipos y tienen preocupaciones superficiales. Yo digo ‘bueno, no son mis amigas, no son las mujeres a mi alrededor’, entonces también me surge esa necesidad de visibilidad de otros rostros de la mujer”.

Fotograma de «Oasis» (Cortesía de Alejandro Zuno)

Los elementos comunes que ha mostrado hasta ahora, son los cuartos de hotel, los personajes de la comunidad LGBT+ y los confidentes inesperados. Dos mundos diferentes que se entienden muy bien y encuentran en el otro comprensión, amor y cariño. Para él, la vida está marcada por casualidades. Es por ello que sus personajes están unidos por relaciones azarosas, y sólo por un corto tiempo. En Los Ojos de Emilio (2005) un chico que está dispuesto a llegar hasta las últimas consecuencias por amor, lo encuentra en una relación casual pero inolvidable. En La Despedida de Eugenio (2009) el vacío y la tristeza se disuelven en abrazos y confesiones; Cuarto de Hotel (2016) la identidad clandestina QUE encuentra su luz en una completa desconocida; por último en Oasis, Ofelia descubre un paraje en medio del desierto en Jackeline.

Oasis es la culminación de un camino de aprendizaje. Ha sido el proyecto en el que ha percibido más colaboración con su equipo y donde elevó sus propios niveles de exigencia: “Ya no quiero trabajar si no es de esa manera, porque significa respeto a mi oficio, pero también al espectador. Lo que me quedó claro es que di el cien, no pude haber dado más, fue una entrega absoluta al trabajo. Aprendí mucho del trabajo con los actores, me preparé mucho para enfrentarme a ellos.” Sus dos actrices protagónicas son Norma Pablo (Fisuras, Roberto Fiesco, 2016) y Morganna Love (Made In Bangkok, Flavio Florencio, 2015): “¡Con ellas hice un trabajo!” dice entre risas “sólo son 16 minutos y estuvimos trabajando mes y medio; con Morganna dos meses de varias sesiones a la semana para la construcción de personaje.”

El cineasta mencionó estar muy agradecido con el equipo que colaboró en este cortometraje: “Yo hice Oasis invitando a mis amigos. El presupuesto era muy poquito y no tenía para pagarles lo que ellas cobran, y la verdad es que lo hicieron porque nos queremos, porque hay una visión en común, porque había una historia que nos entusiasmaba juntos. Eso también rescato de haber asistido, he conocido gente maravillosa.”

Fotograma de «Oasis» (Cortesía de Alejandro Zuno)

• VIH, machismo y galardones

“Una problemática social que a mí me parece muy dramática es el de las mujeres infectadas con VIH/SIDA. Realmente hay pocos estudios sobre eso, pero es la tercera epidemia de SIDA en el país”.

Es por todo esto lo anterior –la colaboración con su equipo, el trabajo exhaustivo con sus actrices, su absoluto compromiso- que Oasis ha sido su película más exitosa hasta el momento (ganadora recientemente del Premio Ariel a Mejor Cortometraje de ficción). Pero Zuno no se deja llevar por el brillo del reconocimiento: “Ganar un premio se siente muy bonito, pero los premios los puedes poner en tu librero y ahí se quedan, creo que lo importante es seguir filmando.”

Uno de los logros de esta película fue haber recibido el apoyo del IMCINE, lo cual Zuno reconoce como un avance institucional contra la fobia y discriminación a la comunidad LGBT+, tanto con los realizadores como con las historias: “Yo escucho historias de Roberto (Fiesco) sobre que en esos años era muy difícil encontrar apoyos gubernamentales porque no se apoyaban películas de homosexuales, y ahora Oasis está filmado con un apoyo del IMCINE. Yo tuve la oportunidad de ser jurado ahí y lo que discutíamos era la calidad de los proyectos, no los temas. Creo que ha habido un avance importante.”

Fotograma de «Oasis» (Cortesía de Alejandro Zuno)

Oasis es un paso adelante en materia de visibilidad de la diversidad sexual y sus impactos sociales. “Una problemática social que a mí me parece muy dramática es el de las mujeres infectadas con VIH/SIDA. Realmente hay pocos estudios sobre eso, pero es la tercera epidemia de SIDA en el país: mujeres de bajos recursos, baja escolaridad, que son infectadas por sus maridos que tienen relaciones sexuales fuera del matrimonio. Este fenómeno me parece que encierra, que habla mucho de nosotros como sociedad. Por un lado, que no hemos sido capaces de aceptar nuestra diversidad, y por eso hay tantos hombres que se ven llevados a llevar una vida heterosexual: casarse con una mujer, tener hijos, pero no es que lo hagan por cabrones, lo hacen porque también son víctimas de una sociedad que no les permite vivir abiertamente su preferencia sexual y ellos creen que no hay otra alternativa. Claro, los deseos pueden más y se ven llevados a llevar una vida clandestina y no saben cómo cuidarse, protegerse, porque tampoco les están llegando las campañas de prevención o detención.”

El reto para Zuno fue escribir un guion con una crítica social implícita y objetiva, que no cayera ni en lo explicativo ni en los juicios. Un ejemplo es la escena en la que Ofelia entra al bar Oasis: “Yo no quiero juzgar a mis personajes. No quería decir ‘este hombre es un cabrón’, y de hecho se muestra el lugar como un espacio de celebración, no es un lugar sórdido, no vemos a los hombres tristes. Se ven felices, sonriendo, porque me parece que la labor del cineasta con sus personajes es abrazarlos y comprenderlos sin importar las circunstancias que estén viviendo y hacer una crítica más profunda pero no a ellos sino al contexto social que nosotros mismos hemos generado y permitido que siga.”

Las víctimas de la violencia y la discriminación no sólo son de la comunidad LGBT+, son también las mujeres heterosexuales que confían ciegamente en sus esposos pero que en realidad desconocen sus preferencias sexuales, un tema importante de visibilizar: “Me sorprende cómo la comunidad gay hemos aprendido a cuidarnos y hemos dejado de ser un grupo vulnerable, y las mujeres que están casadas, que llevan una vida monógama se han convertido en un grupo vulnerable. Entonces espero que esté aportando visibilidad a eso, en general creo que todo el cine de diversidad además de tener un valor cinematográfico también tiene un valor social en ese aspecto de aportar a la visibilidad.”

Con «Oasis» Zuno ganó el premio Ariel a Mejor Cortometraje (Multimedios)

• El cine, su compromiso con la comunidad LGBT+

“Mi ópera prima trata de la intersexualidad, es un tema que es muy difícil, mucha gente ni siquiera sabe a qué se refiere. Espero que efectivamente los premios abran puertas que voy a seguir tocando”.

La preocupación de Zuno por el ambiente político en materia LGBT+ se puede encontrar también en su cortometraje 25 Días de Lluvia y Sol (2005) para el cual documentó la 25ª marcha del orgullo en la capital mexicana. Hoy, a quince años del documental, ve en el país un proceso diverso, pero aún sin concluir: “En esos años uno no le daba tan fácil la mano a su novio en la calle, y ahora se ha vuelto una imagen común en ciertas zonas de la Ciudad de México: en la Condesa, en la Roma, en la Zona Rosa. Todavía hay otras zonas donde es más complicado, pero en general creo que en la Ciudad sí ha habido una apertura hacia la diversidad sexual, pero no sucede lo mismo en otros estados del norte o del sur. Justo esta epidemia de VIH/SIDA está en Chihuahua, en Nuevo León, en Estados donde todavía reina una sociedad más conservadora, el machismo, donde muchos hombres a pesar de ser homosexuales no conciben vivir abiertamente su preferencia sexual y se tienen que casar.”

Al respecto, Zuno ve como algo muy positivo el que se cuente con espacios donde se puedan exhibir películas sobre diversidad sexual en México, en pos de crear visibilidad de las comunidades que han sido marginadas y discriminadas: “Lo que está haciendo ahora el Programa de Diversidad Sexual + de Morelia, de presentar películas en el Museo de Memoria y Tolerancia se me hace genial, es una labor increíble que reivindica la difusión. Cuando existen estas cosas nos da esperanza a los directores.”

El cineasta también tuvo oportunidad de darnos un adelanto de su siguiente trabajo. Su ópera prima abordará otro color del prisma de la diversidad sexual, continuando por el camino de presentarnos de manera humana a las personas que no se retratan frecuentemente en el cine mexicano: “Mi película trata de la intersexualidad, es un tema que es muy difícil, mucha gente ni siquiera sabe a qué se refiere, estoy un poco preocupado de no conseguir los apoyos. Espero que efectivamente los premios abran puertas, yo voy a seguir tocándolas”.

Alejandro Zuno en el Museo de Memoria y Tolerancia (Patricia Ríos)

Si algo muestra el cine de Alejandro Zuno, sea o no su intención, es que la humanidad es rica porque es diversa. Hay poco control en el azar, en la vida cotidiana; paradójicamente es la responsabilidad de la sociedad, la construcción del entorno, sea a partir del arte o de asociaciones civiles.

Con este espíritu, es primordial combatir el miedo a la libre expresión, a dejar ir y sentir amor. Moerlia continuará en su esfuerzo por ampliar los espacios, las temáticas, la libertad de expresión en el cine mexicano para que cineastas como Alejandro Zuno, puedan encontrar sus voces y brindar historias que no apelen a prejuicios, sino a sentimientos universales; para que las mujeres y la comunidad LGBT+ se puedan sentir fielmente representadas en pantalla fuera de estereotipos anacrónicos fundados por el odio, la incomprensión, la distancia, la cosificación. Mujeres como Jackeline, deben ser vistas a los ojos porque en cualquier desconocida puede descansar una amistad comprensiva, a pesar de las diferencia. Iluminar la clandestinidad y la vergüenza para que personas como Agustín puedan vivir su sexualidad libremente, de manera sana y con el regocijo del amor.

El Programa de Diversidad Sexual + de Morelia se siente honrado por la participación del galardonado cineasta mexicano Alejandro Zuno, en el Museo de Memoria y Tolerancia, y le desea lo mejor para su ópera prima y futuros proyectos, los cuales son parte de un camino hacia una cinematografía nacional orgullosa de su diversidad.

Fuentes: Vimeo Alejandro Zuno, IMDb.

Texto: Patricia Ríos con la colaboración de Antonio Harfuch y Frida Bárbara Monjarás

LAS HISTORIAS DE CLÓSET DE ÓLIVER RENDÓN: ENTREVISTA POR SU CORTOMETRAJE “LOVING SOUTH”

I.

¿Qué implica ser homosexual en una tierra agreste y conservadora, alejada de las ideas más progresistas que se viven en el México del siglo XXI? Esa es la tesis que Óliver Rendón se planteó al comienzo de su carrera como director de cine en su natal Hermosillo, con el cortometraje En tierra de vaqueros (2013). En ese documental consiguió hacer un compilado de honestos testimonios de gays y lesbianas sonorenses, que hablaron frente a la cámara de la vulnerabilidad que implica vivir una vida acorde a las propias convicciones en un Estado, como Sonora, que sigue acostumbrado a los intercambios amorosos tradicionales.

 «Loving South representó para mí la transición del documental a la ficción». 

Gracias a los buenos resultados conseguidos para abrir los espacios de expresión a aquellos que siguen viviendo desde el clóset, Rendón continuó su trabajo como cineasta explorando los claroscuros de la homosexualidad en un segundo cortometraje, Loving South, que nuevamente logró buenas críticas en varios Festivales de México durante 2017 y haciéndose acreedor al premio del Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Loving South es un proceso integral de escritura y visualización al lado del fotógrafo Julio Llorente, en la que confluye una sentida historia que logró capturar la imaginación de los públicos internacionales al ser seleccionada en el Short Film Station de la Berlinale.

Rendón comenta sobre la estética que logró desarrollar y las reacciones obtenidas por el público: “Este corto es intenso, pues hay una parte del público que no lo entiende, pero aquellos que lo entienden se conmueven; se fascinan. Les encanta haber entendido el tema profundo que se agazapa en la narrativa. Por ejemplo, en las proyecciones, cuando me encuentro en la sección de preguntas y respuestas, siempre me piden que explique mí corto. Yo sonrío y argumento que en realidad, es de interpretación libre porque así se pensó desde un principio. Otros reaccionan distinto, como cuando el cortometraje ganó el Festival de Guanajuato; uno de los jueces escribió que la historia no sólo hablaba de las fronteras física entre dos países, sino de los límites de opresión imposibles de derribar entre los seres humanos”, explica Óliver Rendón.

Cortesía: expreso.com.mx

“Hermosillo es una sociedad muy conservadora. Viví enclosetado mucho tiempo de mi vida y el clóset para mí hoy es un lugar al que nunca quisiera regresar». 

Loving South cuenta la historia de un minuteman, un guardia civil en la frontera de Estados Unidos y México que trabaja conteniendo el flujo de migrantes mexicanos que intentan cruzar la frontera hacia Estados Unidos. Lo que podría pensarse como una historia de persecución entre “bad” y “good hombres”, termina por dar una sutil pero potente vuelta de tuerca, entre el amor imposible que surge entre dos hombres, destinados a una separación irremediable.

II.

 “Loving South” representó para mí la transición del documental (En tierra de vaqueros) a la ficción, a partir de la historia de Adam, este minuteman que ha vivido su vida en el clóset, pero que vibra de deseo por un hombre. o que cuestiona sus propias elecciones de vida. Haber llegado a la narrativa que desarrollé implicó hacer sacrificios, por ejemplo, en un inicio la historia era muy larga y ambiciosa, pero mientras estuve en el taller de la Berlinale entendí que debía reducirla a una narración con un ritmo más íntimo. La idea inicial era el minuteman, con un hijo que a su vez estaba enamorado de otro hombre; en medio de ello se van de cacería de migrantes y ocurrían varias cosas donde aparecían todos estos migrantes y sus particularidades, había una gran persecución en el desierto y cosas así, pero en términos de producción era muy ambicioso así que tuve que reducirla”.

«El verdadero protagonista es el dilema moral de este hombre. Lo interesante era fotografiar el desierto como ese reflejo».

El cineasta cuenta que su historia personal como hermosillense ha marcado su cine y las inquietudes que tiene por las narrativas que le interesa contar. “Hermosillo es una sociedad muy conservadora. Viví enclosetado mucho tiempo de mi vida y el clóset para mí hoy es un lugar al que nunca quisiera regresar; un lugar donde no me gustaría ver a nadie. Es un lugar asfixiante, horrible que logré recrear en este corto, porque hay algo de mi alma que se expía cada vez que escribo una de estas historias de clóset; lugar en el que estuve mucho tiempo y al que no quiero regresar. Desde En tierra de vaqueros había esta necesidad de vomitar todo lo que me reprimía para liberar mi alma”.

“Con el personaje de Adam, el minuteman, lo que yo quería retratar era la historia de un hombre de intenso conflicto interior, con muchos problemas para poder dejar fluir las situaciones que está viviendo, al grado incluso de terminar por darse un beso a sí mismo en su reflejo. En ese momento de gran dramatismo, Adam escucha “No puedo olvidarlo” de la cantante Marisela creando una atmósfera contrastante, pero al mismo tiempo enternecedora. Para mí Marisela es una cantante que es un icono gay. Así que quise que el actor que interpreta a Adam la escuchara como parte de la acción dramática. La idea era provocar algo inesperado, pero que al final resultara el principal vínculo con su amante mexicano. Más que verla como una canción que hablara literalmente del momento que estaba viviendo el personaje, la vi como una canción perfecta para el sentimiento de ese instante casi eterno”.

Amat Escalante y Luis Ospina en el Festival de Cine del Desierto

Si la música es un componente indispensable de la narrativa, el desierto resulta también otro personaje que juega un papel fundamental en Loving South. Simbólicamente el desierto puede representar muchas cosas, pero en esta historia se vuelve una presencia de distancia, vastedad y vacío; por lo que en la fotografía aparece de una forma distinta a otras historias ya que, en vez de mostrar el clásico desierto incandescente e impenetrable, Julio Llorente vino con la idea de presentar toda la trama en la noche.

Llorente cuenta que buscaba retratar al desierto no de la manera en la que se había hecho antes dándole un dramatismo central: “El verdadero protagonista es el dilema moral de este hombre. Lo interesante era fotografiar el desierto como ese reflejo; entonces había que irse al contrario de lo que se sabe comúnmente sobre él, es decir, siempre se hace en panorámico, planos muy abiertos, mostrando la sensación de calor, el sol cenital. Más bien nos centramos en un formato encuadrado de plano cerrado hacia un close up constante sobre el protagonista con una fuerte sensación de soledad”.

«Pienso que de alguna manera a los hermosillenses les gustará verse reflejados en mi cine». 

Julio Llorente, cinefotógrafo de Loving South

Director y fotógrafo cuentan que su principal referencia para la puesta en escena fue el cine de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne: “No a nivel fotográfico sino en el sentido de entender cómo la cámara registra un movimiento coreográfico con el actor. La idea fue realizar un plano secuencia de 6 minutos que siguiera la entrada y salida de Adam. En edición no hubo esta magia, así que nos salimos a hacer unas tomas más y fue el editor Lenz Claure (también editor de Cómprame un revólver de Julio Hernández Córdón, filmada también en Hermosillo), quien al final logró darle sentido dramático y funcionó muy bien. Si bien hay un corte, estuvo básicamente filmado como plano secuencia y cuando Julio me propuso hacer ese movimiento para plantear el recorrido que hace el personaje, me pareció una muy buena solución y se lo plantee al actor y a él también le gustó mucho la idea. Yo le otorgo a Julio mucho del crédito de Loving South porque se construyó a partir de sus ojos, aunque el corazón del corto es mío”. Rendón cierra la idea comentando que su gran pasión como director, son los actores y que fue el trabajo de Julio la clave en la estética del cortometraje.

«El Festival de Cine en el Desierto nació por la necesidad de abrir un espacio de exhibición de un cine que de otra manera no llegaría al norte de México».

Fernando Álvarez Rebeil, director artístico del Festival de Cine del Desierto

Además de director de cine, Óliver Rendón es también el director del Festival de Cine en el Desierto en Hermosillo junto con el actor y productor Fernando Álvarez Rebeil con quien le dio un nuevo giro: “El proyecto nació por la necesidad de abrir un espacio de exhibición de un cine que de otra manera no llegaría al norte de México. Al principio fue difícil porque la gente veía películas cubanas o peruanas y se salía. Ahora es diferente, contamos con un teatro de 500 butacas donde tuvimos llenos totales. Hemos llevado a Nicolás Pereda, Matías Piñeiro, Julio Hernández Cordón, Martin Bregman, con un tipo de cine difícil de ver, pero el público ahora sabe que va a asistir a un tipo de cine que le va a sorprender y así se va creando un público que se va interesando por otras perspectivas de vida”.

«Yo le otorgo al fotógrafo mucho del crédito de Loving South porque se construyó a partir de sus ojos, aunque el corazón del corto es mío”.

Loving South continúa su gira por Festivales en otros países como Cannes gracias a “Guanajuato goes to Cannes” y en el Festival de Cine de Berlín XPOSED como parte del programa “Cuerpos, Juegos y Territorios” del Programa Diversidad Sexual + Morelia.

Inspirado en los diálogos de las películas de cineastas como Ingman Bergman y Woody Allen, Rendón se encuentra escribiendo su primer largometraje: “Este proyecto intentará mostrar el elemento outcast de la sexualidad que puede llegar a ser lo queer. Maneja un romance entre dos personas y hay un tema de clóset de un hombre casado en un Hermosillo muy conservador. Vuelvo a situar mi historia en Hermosillo, pues me he enfrentado con su público con mis cortos y pienso que de alguna manera les gustará verse reflejados en mi cine”. Concluyó el cineasta.

Ganan la Queer Palm 2018 «Girl» de Lukas Dhont y «O Orfao» de Carolina Markowizc

“La vieja Europa comienza a desmoronarse. Hay raíces pequeñas que crecen, en la transición ecológica, en la transición energética, en todo lo alternativo, aquello que denominamos creatividades culturales y que hoy ofrecen algo de esperanza. Se trata de una nueva globalización de lo alternativo. Los alemanes tienen un filósofo importante, Ernst Bloch, que dice que la utopía consiste en plantar las raíces del futuro, que conducirán a una nueva civilización. Pienso que hoy también asistimos a eso.”

-Thérèse Clerc, en entrevista con Carlos Bonfil para La Jornada

Bajo el slogan “Open-minded award since 2010”, la Queer Palm es un premio que se da a lo más reconocido del cine LGBT+, promoviendo la “apertura de espíritu, tolerancia y diversidad” y garantizando la visibilidad de este tipo de historias en el festival de cine más grande del mundo, Cannes. Para el galardón participan películas y cortometrajes de diferentes secciones dentro y paralelamente al Festival de Cannes como la Selección Oficial, Un Certain Regard, ACID, la Semana de la Crítica y la Quincena de los Realizadores.

La Queer Palm es un premio que se da a lo más reconocido del cine LGBT+ en el festival de cine más grande del mundo, Cannes.

Franck Finance-Madureira se inspiró en Shortbus para hacer la Queer Palm (IMDb)

Su creador, el periodista, crítico y escritor francés Franck Finance-Madureira, menciona que las películas son escogidas por cómo se tratan los personajes, así como por su calidad artística, incluso se ha incluido películas que no tienen ningún personaje LGBT+ y sin embargo impactan por la narración queer de su historia, como es el caso de Tournée (2014) de Mathieu Amalric. Asimismo, el galardón se ha comprometido con el trabajo de realizadoras, siendo 2014, por ejemplo, un año en el que de 13 películas nominadas 7 habían sido dirigidas o co-dirigidas por mujeres.

Finance-Madureira tuvo dos inspiraciones para hacer la Queer Palm: una proyección de Short Bus (2006) de John Cameron Mitchell (Rabbit Hole, 2010), ficción sobre las relaciones amorosas y sexuales de un grupo de neoyorquinos; y los premios Teddy de la Berlinale, incluso ha declarado emocionado que ¡La Queer Palm es una hija espiritual del Teddy! El periodista se alió con los realizadores Olivier Ducastel y Jacques Martineau, y con el apoyo del Festival de Cannes organizó un jurado y proyecciones especiales para el primer año, un tanto improvisado según el fundador. (Les Ecrans Terribles)

Kaboom del director californiano Gregg Araki fue la primera película en ganar una Queer Palm

Gregg Araki, Thomas Dekker y Juno Temple en el set de Kaboom (IMDb)

La primera película ganadora fue Kaboom del director californiano Gregg Araki, quien tiene una filmografía diversa, aunque toda unida por sus protagonistas jóvenes, desde el thriller White Bird in a Blizzard (2014) hasta la comedia Smiley Face (2007). Con Kaboom nos presenta un filme que va desde la ciencia ficción hasta la psicodelia, a través del onírico y surreal retrato de un joven en su despertar sexual durante la universidad. Como primera ganadora, entre sus luces de colores, brillantina y erotismo, Kaboom representó lo que vendría después.

Este 18 de mayo a las 10:30 pm en el hotel Five Seas, Cannes, se llevó a cabo la ceremonia en la que se anunció al largo y corto ganadores de la Queer Palm 2018, ellos son:

• Girl

Girl de Lukas Dhont, ganadora de la Queer Palm (IMDb)

Perteneciente a Un Certain Regard, Girl es la ópera prima del director belga de 26 años, Lukas Dhont. El director ya tenía dos victorias en el Festival Internacional de Cine de Ghent con su cortometraje L’Infini (2014) y Corps Perdu (2012), en el cual ya explora a un bailarín adolescente experimentando con su identidad sexual, a través de su soledad interrumpida por un extraño con quien pasa una inesperada noche.

Girl, escrita por su director y por Angelo Tijssens, narra la historia de Lara, una chica de 15 años que ha nacido en el cuerpo de un chico. Lara se ha determinado a ser una bailarina clásica profesional, mientras vive los retos de la adolescencia, de la exigente danza, y de sus reflexiones sobre su identidad sexual y de género.

«Lara es alguien que verdaderamente desafía las normas clásicas de la sociedad respecto a la masculinidad y la feminidad«

Lukas Dhont, Victor Polster y Arieh Worthalter en la Photocall de Cannes (Zimbio)

Dhont menciona que su tratamiento de la película fue a través de la honestidad y la madurez, así llevó a cabo la relación con el guion, sus personajes y los padres de su actor principal. De este modo, el director defiende que lo que Lara siente no es una decisión, sino que realmente ha sido asignada como hombre, aunque siempre ha sabido que es mujer: «Lara es alguien que verdaderamente desafía las normas clásicas de la sociedad respecto a la masculinidad y la feminidad» (Cannes).

La película es una producción franco-holandesa protagonizada por el bailarín belga Victor Polster, quien con tan sólo 16 años ha ganado el premio a Mejor Actuación en Un Certain Regard. Esta es la primera película del joven entusiasta del cine, y desde el inicio estuvo vinculado de una manera muy personal a su papel, para el cual tuvo que cambiar radicalmente su aspecto: vestimenta, maquillaje, cabello; proceso en el cual siempre estuvo acompañado de sus padres. «Veo a Lara como una heroína. La admiro por su valor, su persistencia» (Cinema Canal +), menciona Polster.

• O Orfao

O Orfao de Carolina Marlowicz gana la Queer Palm a Mejor Cortometraje (Quinzaine des Realisateurs)

En la sección de cortometrajes resultó ganador el trabajo de la cineasta brasileña Carolina Markowicz, O Orfao. Markowicz, antes de este importante galardón, ya había sido nominada al Festival de Toronto y SXSW por Long Distance Relationship (2017) y al Festival de Varsovia por Edifício Tatuapé Mahal (2014) por el cual ganó en Paulínia.

Para su quinto cortometraje O Orfao, seleccionado en la Quincena de los Realizadores, la directora nos narra una historia basada en hechos reales, sobre un niño adoptado que es devuelto al orfanato por sus nuevos padres por ser diferente. Con marcos cuadrados, se transmite la opresión del niño; con colores fríos, la falta de pertenencia.

O Orfao es una historia basada en hechos reales, sobre un niño adoptado que es devuelto al orfanato por sus nuevos padres por ser diferente

Carolina Marlowicz (Hysteria)

De esta manera, Markowicz se expresa preocupada por la nueva ola de conservadurismo a nivel mundial, pero particularmente en su país: «Brasil va por un camino conservador en el que algunas cosas importantes no son tratadas como tales; mientras que cosas que no deberían serlo para los demás, lo son, tales como la sexualidad, si alguien es gay o no, cómo te ves.» (Citizen Cannes)

El nuevo proyecto de la directora (su ópera prima) se titulará When my Life was my Life, por el cual ya ha ganado premios de apoyo para su desarrollo en Rotterdam y Brasil, entre otros. La película tratará sobre una mafia dirigida por una mujer especializada en ocultar fugitivos, y será protagonizada por Rita Cortese (Relatos Salvajes, 2014).

El jurado fue presidido por la productora francesa Sylvie Pialat, productora de Stranger by the Lake

La presidente de jurado, Sylvie Pialat (Europe 1)

Ambas decisiones fueron deliberadas por un jurado presidido por la productora francesa Sylvie Pialat, ganadora del premio César por Timbuktú (Abderrahmane Sissako, 2015), película de Mauritania nominada al Óscar por Mejor Película extranjera. Pialat ha producido decenas de proyectos incluyendo When Evening Falls on Bucharest or Metabolism (Corneliu Porumboiu, 2013), y la ganadora de la Queer Palm Stranger by the Lake.

Finance-Madureira ha justificado que para la configuración del jurado se busca el equilibrio: entre hombre y mujeres, entre edades, nacionalidades y profesiones. Este año, al lado de Pialat, estuvieron: Boyd van Hoeij, periodista cinematográfico alemán para The Hollywood Reporter, cuyo trabajo también se ha visto en Indiwire, Variety, Winq y Filmkrant; Dounia Sichov, actriz y productora francesa quien ha aprecido en filmes como Light Thereafter (Konstantin Bojanov, 2017) y Marussia (Eva Pervolovici, 2013); Morgan Simon, director y guionista francés de películas como el multipremiado drama Compte tes blessures (2016), y de cortometrajes que han estado nominados a los Premios César y Clermont-Ferrand; y Pepe Ruiloba, programador y coordinador mexicano del Premio Maguey en el FICG.

El mexicano Pepe Ruiloba fue parte del jurado de la Queer Palm

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

La Palma ha visto entre sus nominados a respetables cineastas como Pedro Almodóvar (La Piel que Habito, 2011), Leos Carax (Holy Motors, 2012), Michel Gondry (The We and the I, 2012), Yann Gonzalez (Los Encuentros de Medianoche, 2013), Damien Chazelle (Whiplash, 2014), Mélanie Laurent (Respire, 2014), Gaspar Noé (Love, 2015) y John Cameron Mitchell (How to Talk to Girls at Parties, 2017).

Para su 9ª edición, se escogieron diversos trabajos de diferentes géneros cinematográficos que revelan la madurez de la sociedad francesa respecto a estos temas: “Estamos en un proceso de “normalización” que hace que no nos interese más el salir del clóset.” Menciona el fundador del galardón (Komitid). Este año los extraordinarios competidores fueron:

 Selección Oficial en Competencia

Sorry Angel de Christophe Honoré; y Knife + Heart de Yann Gonzalez.

 Selección Oficial – Función de Medianoche

Whitney de Kevin Macdonald.

 Un Certain Regard

Euphoria de Valeria Golino; El Ángel de Luis Ortega; Friend de Wanuri Kahiu; Border de Ali Abassi; y The Harvesters de Etienne Kallos.

 Quincena de los Realizadores

Carmen y Lola de Arantxa Echevarría.

 Semana de la Crítica

Diamantino de Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt; Wild de Camille Vidal-naquet; y Shéhérazade de Jean-Bernard Marlin.

 ACID Section

Love Standing de Michael Dacheux; y Cassandro the Exotico! de Marie Losier.

Cortometrajes

Ultra Pulpe de Bertrand Mandico; Sailor’s Delight de Louise Aubertin; y Dolfin Megumi de Ori Aharon.

 

Fuentes: Queer Palm; Entrevista a Thérèse Clerc por Carlos Bonfil para La Jornada; New Yorker; Youtube de La Semaine de la Critique; Les Ecrans Terribles; Komitid; Le Point; Reforma; La Libre; Cinema Canal +; Cannes; Citizen Cannes.

/ PR

Filmar por la diversidad: Entrevista a Eduardo Esquivel por «Lo que no se dice bajo el Sol»

Por: Antonio Harfucu Álvarez

Lo que no se dice bajo el Sol es el tercer cortometraje de Eduardo Esquivel (Uriel y Jade, 2016) que llegó a Cannes 71 con una función especial del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en la Semana de la Crítica. Egresado de la carrera de cine de la Universidad de Guadalajara, es parte del colectivo Tardígrada (conocido por proyectos como Aurelia y Pedro, mención especial de la Berlinale en 2016) al que lo invitó a colaborar su colega Omar Robles (Los Desterrados Hijos de Eva, 2017).

En una oportunidad única que tuvimos para platicar con él sobre su corto, nos contó sobre cómo es filmar en Guadalajara y sobre los distintos papeles que ha jugado como miembro de este colectivo, desde realizador a productor y guionista. Explica sus referencias, qué lo motiva, sus obsesiones y la inspiración reciente que ha tenido en artistas como Pedro Lemebel, quien hoy se ha vuelto su principal guía para hacer el cine que quiere, aquel que muestra la diversidad de la humanidad.

“La pregunta fue: ¿Qué tanto soy capaz de hablar sobre las mujeres?”

Lo que no se dice bajo el Sol (IMDb)

El realizador comienza contando sobre cómo inició Lo que no se dice bajo el Sol. De estas inquietudes artísticas como un autor que promete una filmografía que hable sobre las relaciones íntimas familiares como la de madre-hijo, centro de esta historia: “Tengo una fascinación particular cuando escribo ficción de abordar temas femeninos, de encontrar en la relación madre-hija o hijo, de la maternidad, de la edad adulta de la mujer en contextos complejos y al límite. Es algo con lo que crecí y vi”.

El director, después de haberse cuestionado su sensibilidad al mundo femenino, comenzó el primer tratamiento del guion, que mostraba el reencuentro entre madre e hija en una casa en decadencia. Para ello, trabajó de la mano de una amiga, relación que le hizo descubrir que ambos mundos no eran tan diferentes. “La pregunta fue: ¿Qué tanto soy capaz de hablar sobre las mujeres?”

Para Ana, el personaje protagónico, contó con la interpretación de Martha Claudia Morena, ganadora del Ariel a Mejor Actriz por Distancias Cortas (Alejandro Guzmán, 2015). “Ella tiene aspectos físicos que se asemejan a los de mi madre, quien inspiró este guion. En Distancias Cortas la vi como un personaje con cierto nivel de complejidad que necesitaba mi personaje. Estaba ese tono de contención, donde las miradas y silencios dicen mucho. Me obsesioné con ella como actriz. Le mandé el guion, lo leyó y aceptó estar en el proyecto.»

«Algo que ella como actriz me regaló, fue la fe a mi intuición por la historia, por construir este personaje»

Martha Claudia Morena, ganadora del Ariel a Mejor Actriz por Distancias Cortas

La dirección de actores fue un proceso complejo, pues su actriz está basada en la Ciudad de México, mientras que la producción se haría en Guadalajara. Para eso tuvieron que trabajar a distancia. “Algo que ella como actriz me regaló, fue la fe a mi intuición por la historia, por construir este personaje. En conjunto tuvimos el guion como base que fue la historia narrativa pero en el set se construyó otra que fue más difícil.”

Una de las dificultades que terminó siendo una sorpresa grata fue que, a partir de la cercanía que la actriz protagónica tiene con su hija, se decidió que también se le incluyera como uno de los personajes secundarios del cortometraje. “No teníamos recursos para filmar. Había un personaje adolescente que era la hija del personaje de Ana. Martha Claudia me preguntó si podía llevar a su hija al rodaje. Fue difícil decir que sí. Hicimos la apuesta y fue acertado. Su relación madre-hija fue llevada a la ficción en realidad y ellas tuvieron la oportunidad de conocerse desde otra cara. Su hija salió de una burbuja que habían construido ellas dos. La filmación fue un viaje muy positivo que nos hizo confiar a todos como equipo.”

Lo que no se dice bajo el Sol toca el tema del rechazo cuando Ana no es aceptada por su propia familia. Eduardo cuenta que surgió tras una inquietud por abordar temas que no pueden discutirse en la cotianeidad si no es a través de su trabajo como realizador, y que sus cortos se vuelven esa oportunidad para hacerlo. “Ahora me doy cuenta que a partir de mis cortos, puedo hablar sobre mi propio núcleo familiar. No es lo mismo hablar con mi familia sobre quién soy yo en una cena que a través de mi trabajo. Hay una cuestión de necesidad para tener que demostrar que eres una persona “normal”. Es una palabra injusta para describir algo”. Esta necesidad ha envuelto el proceso creativo de su arte, desde donde logra el entendimiento de sí mismo, con lo que puede hablar con el espectador. “El espectador mismo es mi familia. Mi mamá cree mucho en mí. Me conmueve pensarlo. Tenemos muchas discusiones. Yo estoy en búsqueda de la verdad”.

«El hijo tiene una personalidad femenina que lo hace buscar conectar con el mundo femenino de su madre»

«Entrevista a mi madres» (IMDb)

«Lo que no se dice bajo el Sol» (IMDb)

Entrevista a mi madre (2015) fue su primer cortometraje, caracterizado por una tónica experimental donde se relaciona la memoria con lo físico, sobre su búsqueda por entender de dónde viene y hacia donde va. “Es un momento de tensión que un adolescente lleva a su madre para cuestionarla. Es entender de donde vienes aunque la respuesta no se tenga. Pero que sí haya un ejercicio de sensibilización a la burbuja que cada uno vive. El hijo tiene una personalidad femenina que lo hace buscar conectar con el mundo femenino de su madre. Se vuelve una invitación para discutir y entonces descubrir las cosas por las que se viven”.

Para él, su primer cortometraje hace un cuestionamiento de cómo confrontamos con nuestra propia familia. Su principal referencia fue Yo maté a mi madre (Xavier Dolan, 2009). “Fue la raíz de ese corto. Su cine siempre es muy nutritivo. Luego he ido descubriendo el cine de Lucrecia Martel, Pedro Almodóvar, Tsai Ming-Liang, donde se ven esas relaciones cotidianas donde se dice poco pero pasa mucho, François Ozon. Cría Cuervos (Carlos Saura, 1976) también es una referencia importante.”

En Lo que no se dice bajo el Solvuelve a abordar una relación familiar fracturada pero desde una óptica con más retos narrativos, técnicos y estilísticos e insiste en una inquietud por explorar mujeres en su etapa madura. “Una pregunta constante que me hago y que se volvió punto de partida de este guion fue: ¿qué le estará pasando por la mente a mi madre? Estoy tratando de entenderla.”

En Lo que no se dice bajo el Solvuelve a abordar una relación familiar fracturada

Lo que no se dice bajo el Sol (IMDb)

Antes de este trabajo, Eduardo Esquivel dirigió un cortometraje documental, Uriel y Jade, sobre un chico que vive en el pueblo conservador de Mezcala, donde se enfrenta a la auto-aceptación de su condición de género. “Es sobre un adolescente que renuncia a una condición de género que lo hacia feliz por una atadura religiosa a la que fue obligado a estar. El personaje vive un maltrato psicológico de pensar que está enfermo. Pero al mismo tiempo vemos la confusión de Uriel que tiene que tomar decisiones difíciles. Uriel es su parte masculina y Jade es la femenina. Es un viaje incierto hacia el descubrimiento.»

En el Diseño de Arte deLo que no se dice bajo el Sol trabajó muy de cerca con su amiga y colega Marianne Cebrián con la que ya había trabajado desde su primer cortometraje: “Marianne estudió diseño de interiores en la misma universidad. Estuvo muy de cerca en el trabajo desde guion desde donde ya imaginábamos el diseño de producción. Algo había de encontrar un look telenovelesco que es con el que la mayoría en México crecemos. Desde entonces teníamos en mente colores pasteles, saturados, lo que buscábamos era que los espacios tuvieran la vida para que la historia se contara. Vimos La Ciénaga (Lucrecia Martel, 2001), Tacones Lejanos (Pedro Almodóvar, 1991), para tener referencias, para el diseño vestuario, maquillaje, para embonar en una congruencia para la historia. Era llegar e intentar rehacer «la casa de la abuela». Buscar la esencia para expresar la naturalidad de que las cosas envejecen junto a la personas”.

«A nivel estético tuvimos libertad para poder hacer lo que queríamos pero también me tuve que aferrar a muchas obsesiones»

«Lo que no se dice bajo el Sol» (IMDb)

«La Ciénaga» (IMDb)

Para la fotografía, Andrea Santiago tuvo la comisión de una cámara viva con la actriz que se conjugó con la intuición de Eduardo. “Hay una cuestión de intuición que le tuve que transmitir. La fotografía al final muestra la narración principal que el espectador va a poder ver y sentir. A nivel estético tuvimos libertad para poder hacer lo que queríamos pero también me tuve que aferrar a muchas obsesiones. Tuve el voto de confianza de ella y de todo el equipo. Nos liberamos de muchos egos y aprendimos a creer uno en el otro. Es muy importante ser horizontales entre todos, desde el de las luces hasta el actor.”

Contaron con el apoyo de la Universidad de Guadalajara: “La Universidad nos dio un apoyo en dinero y recursos técnicos como la cámara, los lentes y las luces. Fue un corto que implicaba viaje en carretera, una locación con alberca, coches, animales sedados. Fueron cosas difíciles de pagar. Se financió por nosotros mismos y nuestras familias y amigos. Fue un proyecto estudiantil con fechas que se tenían que respetar y por lo mismo no pudimos iniciar una campaña de crowdfunding. Fue una financiación colectiva familiar.”

Eduardo también funge como productor de Lo que no se dice bajo el Sol, así como en el proyecto de Omar Robles, Los desterrados hijos de Eva el cual fue un gran reto para él pues contó con más de cien extras y una protagonista trans que tenía tres meses de comenzar un tratamiento de hormonas: “Cuando me dijo que Teresa Amor quería que fuera su actriz, tuvimos una confrontación por la situación pero logramos confiar de nuevo. Ha sido el trabajo donde he tenido más confianza. Teresa nos regaló todo, se entregó a la historia. Sabemos y entendemos que para una actriz trans es complejo porque no pueden tener un papel de mujer. Por eso el tema de Una Mujer Fantástica de Sebasitán Lelio es tan importante. Fue entender las obsesiones de Omar y la producción local que estaba haciendo cine”.

«Sabemos y entendemos que para una actriz trans es complejo porque no pueden tener un papel de mujer»

Los Desterrados Hijos de Eva de Omar Robles (FICG)

Los Desterrados Hijos de Eva recibió el apoyo del Premio Maguey del estado de Jalisco, lo cual fue muy importante para un proyecto local que presentaba la historia de una mujer trans en la vida cotidiana. “El corto ha tenido una vida muy buena. Por eso es muy importante que haya espacios como Premio Maguey, como el FICM y el Programa Diversidad Sexual + Morelia, que creen en historias de la humanidad. Fue un gran proyecto que no tiene que ver con el cine de narcos. Fui muy privilegiado por producir este proyecto con este gran colectivo de amigos que es Tardígrada.»

Actualmente Eduardo Esquivel se encuentra levantando un proyecto con Omar Robles que es una continuación sobre el acercamiento a la historia de Uriel y Jade que se titulará Flores de la Noche. “Tengo de referencia de cabecera al chileno Pedro Lemebel que tiene toda una tesis del discurso travesti y de la condición del género trans. Fue la semilla que provocó que se reafirmará la necesidad de contar historias relacionadas con la diversidad de género, con el travestimo y el trans. Tiene un Manifiesto Hablo por mi diferencia, donde hay un punto clave que dice: ‘Hay tantos niños que van a nacer con una alita rota y yo quiero que vuelen compañero, que su revolución les dé un pedazo de cielo rojo para que puedan volar.'»

/ AH

XPOSED: La representación del cine queer contemporáneo

En su 13ª edición, el Festival de Cine Queer XPOSED cuenta con 43 cortometrajes queer que se exponen en todas sus facetas y formas, ya sea documental o experimental, feminista o anticolonialista: “Nuevos mundos son creados, la interpretación y poesía cinematográficas hablando de un tiempo más allá de la hombría, destruyendo al varón y el deseo de ser él”.

El festival fue fundado en 2006 por el australiano Bartholomew Sammut quien a través de la Fundación Teddy y Schuwz logró la primera edición durante las celebraciones del pride parade en Berlín, creando interés y furor debido a su contenido queer, no siempre visto en las salas de cine. Desde entonces, XPOSED se ha caracterizado por traer algo nuevo a sus espectadores con finalidad de que éstos puedan repensar el cine y la sexualidad a través de proyectos no tradicionales, que provoquen tanto sorpresa como empatía.

El 13º Festival de Cine Queer XPOSED cuenta con 43 cortometrajes queer que se exponen en todas sus facetas y formas

«Pirate Boys» de Pol Merchan, último ganador del QSFF (XPOSED)

El foco de XPOSED es la representación de la cultura queer, sus películas y sus cineastas, así como una fuerte atención a proyectos feministas o elaborados por mujeres, creando consecuentemente la visibilización de estas comunidades más allá del cine. Es así que el equipo ha trabajado por crear una plataforma en la que estos cineastas puedan exponer y producir sus proyectos.

Uno de sus principales apoyos es el Queer Short Film Fund, creado en 2015 para promover y facilitar la producción de cine queer berlinés. El Fondo otorga cada año 3,000 euros en efectivo y apoyo (gracias a GmbH Berlin) para el desarrollo de cortometrajes queer de cualquier estilo cinematográfico, que no excedan los 10 minutos. Los ganadores anteriores determinados por el jurado del festival han sido las cineastas Doireann O’Malley por Prototypes, Zara Zandieh por Trilogy of Happiness y el artista español transgénero Pol Merchan quien estrenará este año su trabajo seleccionado Pirate Boys, corto documental sobre Kathy Acker tomado con la perspectiva “del fotógrafo intersexual Del Grace Volcano quien provee un lente a través del cual se explora la subjetividad trans y queer del cine” (Eileen Arandiga para Hot Docs).

El Queer Short Film Fund, creado en 2015, busca promover y facilitar la producción de cine queer berlinés

La directora Doireann O’Malley, primera ganadora del QSFF por Prototypes

El premio del QSFF, así como los ganadores de la competencia, se anuncian en la ceremonia de los Premios Lolly, la cual clausurará el festival este 27 de mayo. Los Lolly premian al cine queer en cuatro categorías: Mejor Cortometraje XPOSED, Mejor Cortometraje Alemán, Mejor Cortometraje Internacional y Premio del Público. Dentro de los pasados galardonados se encuentra el cortometraje Es Hat Mich Sehr Gefreut de la directora austriaca Mara Mattuschka, ícono queer y feminista quien será la invitada de honor este año.

Mattuschka dará una charla en el conversatorio Artist in Discution e inaugurará el festival con la proyección de su más reciente película Phaidros, “un escenario estridente y carnavalesco basado en el diálogo epónimo de Platón establecido en un entorno LGBT+ en una metrópolis actual”. (Facebook XPOSED).

La directora austriaca Mara Mattuschka, ícono queer y feminista, será la invitada de honor este año

Mara Mattuschka  (XPOSED)

Junto con Phaidros se presentarán los documentales Bixa Travesty de Claudia Priscilla & Kiko Goifman,  ganadora a Mejor Documental en el Teddy este año, película sobre Linn da Quebrada, cantante transgénero que aboga por la comunidad queer de su ciudad, Sao Paulo; Les Vies de Thérèse de Sébastien Lifshitz, ganador de la Queer Palm en 2016 que relata “las vidas” de Thérèse Clerc, activista francesa por los derechos de las mujeres y la comunidad LGBT+; Paternal Rites, proyecto en el cual Jules Rosskam regresa a archivos de los ’70 para enfrentarse a secretos familiares; Queerama de Daisy Asquith, una exploración de archivos del S. XX y XXI acerca de los retos de la comunidad LGBT+; y Eccomi… Eccoti de Raed Rafeid en el cual se conoce la vida de un hombre gay a través de un road trip desde Líbano (país del director) hasta Italia.

Por su parte, los largometrajes de ficción que se presentarán son Terror Nullius de Soda_Jerk, una “fábula de venganza política” en Australia; M/M de Drew Lint quien relata la vida de Matthew, un joven canadiense nuevo en Berlín quien encuentra en Matthias su nueva obsesión; y Who Will Fuck Daddy de Antiffa Vänsterfitta, la cual el festival ha descrito como “un clavado en el subconsciente colectivo donde el cadáver de un hombre se descompone en la tierra dentro de la cual nacerá otra vez, y se levantará a la superficie con una nueva forma de pensar/sentir femeninas y perversiones inesperadas”.

“Nuevos mundos son creados, la interpretación y poesía cinematográficas hablando de un tiempo más allá de la hombría, destruyendo al varón y el deseo de ser él”

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Junto con estas películas habrá seis programas de cortometrajes con diferentes temáticas: “Performative Riots”, “Following Shadows”,“First Times and Third Options”; “Pervertion and Decadense”, “Perceptions, Deceptions and Assumptions” y “She´s got the look”, dentro del cual se encuentra el cortometraje ganador del Teddy ’18 Three Centimeters de la directora británica Lara Zeidan.

XPOSED proyecta películas de todo el mundo, desde Turquía hasta Australia, y México no es excepción. Dentro de los trabajos mexicanos que el festival ha recibido se encuentran Quebranto de Roberto Fiesco, un documental sobre Pinolito, un artista travesti mexicano; El Cisne de Daniel Chávez Ontiveros, documental que problematiza la identidad sexual como agente de migración, ganador del Premio del Público del I Programa de Diversidad Sexual; y Tell me When You Die de Amer Bemak & Nadie Granados, performance documental experimental pornográfico que rompe tabús respecto a la politización y sexualización del cuerpo de la mujer, presentado como lo mejor de XPOSED Latinoamérica en el II Programa.

El Programa de Diversidad + de Morelia presentará un programa especial titulado “Cuerpos, juegos y territorios”

«Dos Ballenas» se presentará como parte del programa «Cuerpos, juegos y territorios»

Ahondando en la relación entre ambos proyectos, este año el Programa de Diversidad + de Morelia presentará un programa especial titulado “Cuerpos, juegos y territorios” que retratan diferentes historias sobre diversidad sexual en este país. Asimismo, nos complace anunciar que Antonio Harfuch Álvarez, co-fundador y curador del Programa será jurado invitado para esta edición de XPOSED, siendo uno de los que determinarán las películas ganadoras de los Premios Lolly, así como el proyecto que recibirá el apoyo del Queer Short Film Fund.

El Festival de Cine Queer XPOSED se celebrará del 24 al 27 de mayo en Berlín. Le damos las gracias por la oportunidad de acercar el cine mexicano al público internacional quienes serán testigos de la visión de nuestros realizadores respecto a la diversidad sexual este 25 de mayo, fortaleciendo no sólo los lazos entre ambos países y proyectos cinematográficos, sino el esfuerzo por romper barreras.

 

Fuentes: “Interview With Xposed Queer Film Festival” por Celia Wickham. Berlin Film Journal; Facebook @xposedfilmfestival; German Documentaries (“Pirate Boys”); IMDb (“Queerama”, “Family Rites”); XPOSED (“M/M”, “Who Will Fuck Daddy”, “Terror Nullius”).

/ Redacción