The trees live standing: Colectivo ÁRBOL ROJO

By Antonio Harfuch Álvarez
(Tanslation: Diego Lizondo)

The State of Quintana Roo has established itself as one of the most important tourist destinations in the country. In addition to being globally known for its beaches, the initiatives of an extraordinary group of people have managed to promote and disseminate independent and auteur films. The capital of the state, Chetumal, which comes from the Yucatec Ch’aak Temal and means «where the red trees grow» also represents the name of an association that has raised its voice for the seventh art.

Árbol Rojo is the name of this group of film professionals who for two years have organized special exhibitions, cycles, and extensions both in the capital and in the paradisiacal municipality of Bacalar. In their recent, but prolific career, they have taken premieres and previews of films that could hardly have reached the southeast of Mexico. Some of the titles are Knife + Heart (La Daga en el Corazón, 2018) by Yann Gonzalez, Los Muchachos Salvajes (2012) by Patricia Ferreira and more recently Climax (Clímax, 2018) by Gaspar Noé. The strong alliances with institutions such as the Cineteca Nacional, the University of Quintana Roo and internationally renowned festivals such as FICUNAM, Black Canvas and recently, the incorporation of Cuorum Morelia, gave attendees the first exhibition of its Continuous Program that was carried out from February 21 to March 2.

The conversation with this passionate group began from the last edition of the Sexual Diversity Program of Morelia. From the moment the consultancy of the independent management of the Diversity Program in Morelia took place, Árbol Rojo has offered its caring support. In this new independent phase, thanks to the advice of experts, the foundations have been laid to create a project that moves away from cultural centralism.

In 2018, Árbol Rojo and the Sexual Diversity Program formed an important collaborative and operative alliance that was carried out in the Clavijero Cultural Center. The civil association showed its solidarity with an emerging team that celebrates the communion of two young and restless projects to make visible a cutting-edge cinema and diversity.

Árbol Rojo showed three qualities that contributed to the essence of the organization of the Sexual Diversity Program, today the Cuórum: Partnership, Complicity and Commitment. These values and attributes, necessary for the formation of a team united in the objectives of a noble mission and a vision, have as a core point the dissemination of quality cinema.

Reapariciones, Reparaciones (Reaparitions, Reparations) was the cycle presented in the State of Quintana Roo conformed by international, national premieres, short films of the past Sexual Diversity Program and the Forum of Identities. Thanks to the support and management of organizations such as the Human Rights Commission and Kybernus, this edition was a success.

With a total of 7 films and 12 short films that show the reality of people reappearing and repairing wounds after the loss, festivals such as Berlin, Cannes and Xposed were present. Las Herederas (2018) by Maricelo Martinessi, Terror Nullius (2018) by Soda_Jerk and the empowering Bixa Travesty (Marica travesti, 2018) by Claudia Priscilla and Kiko Goifman, were just some of the projections that strengthen the defense of identity and freedom.

Tania Claudia Castillo (Camelina de Plata, 2018), presented Un amor en Rebeldía (2018) by Tatiana Castillo. This documentary, which narrates the struggle of Yan María Castro, founder of the Oikabeth movement in Mexico under a context of discrimination and repression, defends the positions of gender and sexual diversity. To date, this struggle of Mexican women who remained invisible and subjected, is considered a milestone in the organization; a political movement that fought to gain its place in society.

María Bonita (2017) by Roxana Anaya presents the portrait of a trans woman who resurfaces despite being forgotten and the lack of recognition. Her lens dignifies, as a companion in the struggle, the Cabaret scene in Mexico. The documentary sensitizes and motivates us to look at places that in their time became fronts to make community with a special emphasis on diversity.

Lila (2018) by Paolo Wriedt elaborates a story about sexuality and experiences rarely seen on screen but judged. It tells the story of the sexual tension that arises between two cousins, not from the morbid interest, but from the incessant appearance of desire as a leafy territory to discover.

On the other hand, the director Jesús Torres Torres traveled to Chetumal and Bacalar to present his first feature Nadie Sabrá Nunca (2018) in front of students and audiences of all ages. They, captivated by the creative proposal to combine the melodrama with the western genre, applauded the plot of the story. In it, a mother and her son seek to escape from an overwhelming reality through the fiction of soap operas.

The Identity Forum, held at the initiative of Árbol Rojo, was a learning experience through dialogue and exchange of ideas with activists and cultural managers committed to their cause. Edwin Reyes made an urgent call for the acceptance and justice of people who have been harmed because of their diversity; the passion of Alejandro Silveira, director of Árbol Rojo, promoted a cinema of transversal diversity in the social and sexual, but also in the formal and aesthetic. Culture is encouraged to build empathy.

The efforts of Enrique Paniagua, an initiative of Kybernus, seek to strengthen the frameworks of legality with the LGBT + community and the struggle for human rights. Representing the Human Rights Commission of Quintana Roo, Ana Patricia Reyes, called to promote the improvement of diversity in the peninsula. Alejandra Suárez, a credible defender of human rights, moderated the Forum for Identities that offered tools to promote the acceptance and normalization of these issues.

The audience, witnessing the diversity and supporting each effort, went to each function to join a new panorama: to question heteronormativity and value diversity. People of all ages shared their experience: «Bones of Contention (2017) by Andrea Weiss is a film that should be seen in universities»; «What you see in Las Herederas (2018) by Marcelo Martinessi, is not very distant from what happens here in Mexico»; «Bixa Travesty (2018) by Kiko Goifman and Claudia Priscilla, is a new and powerful speech that demolishes every argument that had been made against sexism». «I thought that La Daga en el Corazón (2018) by Yann Gonzalez, was a gay movie but it is really diversity cinema, because we see the differences that there are in universal feelings like love and that this can exist in such different ways but that go to the same place. «

More than 1,000 people witnessed the cinema of diversity that seeks faithfully to find new ways of looking at others. From the organization of a strong team, skillful and aware of the importance of spreading quality and auteur films and that honors the meaning of Árbol Rojo, the cycle of Reapariciones Reparaciones ended with Knife + Heart (La Daga en el Corazón, 2018) by Yann Gonzalez. The director’s avant-garde proposal crossed the mind and heart of the Chetumale people as if it were a sharp and piercing weapon; the aesthetic diversity and the daring proposal will not be forgotten, nor will the universes created by Gonzalez to see the light in the darkest.

With this cycle curated for Árbol Rojo, the confidence of a team awaiting the emergence of new cultural projects and the insistence to continue them is confirmed, even when the situation seems complex. They have opened new spaces in Chetumal to continue building forums through the cinema. Under the strong belief of cultural projects in Mexico, a Quorum has been created for friends, family, moviegoers and activists.

From Cuórum, we are grateful to open the doors to the filmmakers of Mexico who have sought to repair historical wounds and reappear in the face of invisibility and censorship, in the face of fear and oblivion. Realities that have not been represented, and an unwritten past with which history would be different. Forces that reappear to people who are as vital as trees; trees that grow in the woods and in the cities remembering the indestructible feeling of which St. Thomas talked about: «He who has lost his passion has lost more than he who has lost himself in his passion».

Cuórum reiterates its deep and eternal gratitude to a strong and constant Civil Association, that does not lose sight and that in every activity that organizes puts the effort to demonstrate the wood with which they are made. Their example and inspiration have become a clear reference in the need to create responsible spaces and firm civil associations that provide counterweight and balance in society.


Ante el público del Centro Educativo Truper del Museo Memoria y Tolerancia, se proyectó Oso Polar de Marcelo Tobar. Largometraje galardonado en el pasado FICM 2017 como Mejor Película. Isabel Toledo, actriz, productora, directora, y moderadora por parte del Centro Educativo Truper realizó previamente una presentación donde dijo que se trataba de la primera película mexicana realizada con un iPhone. 

Antonio Harfuch, co-fundador y curador del Programa de Diversidad Sexual + Morelia dio la bienvenida en el escenario a la Productora Elsa Reyes quien se dijo muy honrada en que la película se presentara en el Museo e invitó al público a participar en la sesión de preguntas y respuestas, al finalizar la proyección. Por su parte, Harfuch agradeció el espacio del Museo Memoria y Tolerancia y fue el transmisor de un sentido mensaje de la Directora Asesora Brittmarie Hidalgo: «el Programa Diversidad Sexual + Morelia reafirma su nueva identidad. Hoy se respirarán aires nuevos y frescos en una prestigiosa institución en nuestro país y el cine mexicano e iberoamericano de diversidad será compartido con un nuevo público”. 

«Estamos muy contentos porque si estamos en el Ciclo del Programa en Memoria y Tolerancia, quiere decir que el objetivo se cumplió»

Elsa Reyes, Antonio Harfuch e Isabel Toledo

El director, Marcelo Tobar envió un video mensaje al público donde dijo estar muy contento por la proyección de Oso Polar en el Museo: «Estamos muy contentos porque si estamos en el Ciclo del Programa en el Museo Memoria y Tolerancia, quiere decir que el objetivo se cumplió; Oso Polar la escribí y la filmamos con la idea de enfrentar el problema de la violencia, del racismo, del clasismo y de la discriminación. A través de la visibilización en pantalla de fenómenos que parecen rutinarios y a los cuales estamos acostumbrados. La violencia en México es una moneda de uso muy común y para sobrevivirla como sociedad muchas veces tenemos que deshumanizarla y no podemos sentir más». 

El cineasta agregó: «Ver reflejado este fenómeno de violencia en la película, nos va a ayudar a encontrar cuál es nuestro lugar dentro de la perpetuación de este sistema. Si todos somos verdugos de alguien, qué participación tengo yo, incluso el personaje gay como verán, no está eximido en convertirse en parte del problema. Espero que tenga resonancia en ustedes y muchas gracias otra vez».

«Nosotros vamos cargando nuestras pequeñas historias en el celular, en nuestro bolsillo».

Al finalizar la función, como es tradición, Isabel Toledo comenzó el cine debate que contó con la honrosa presencia del gran actor y protagonista, Humberto Busto, quien con la productora Elsa Reyes compartieron su experiencia con el público del Cine Club del Museo. 


Mientras que en Estados Unidos, Tangerine (Sean Baker, 2015) fue la primera película rodada con celulares, en México, Oso Polar fue el filme que inauguró esta nueva tradición técnica experimental. «Nos ayudó mucho saber cuál había sido el proceso y el flujo del experimento que fue Tangerine, con ese referente trabajamos con cosas que de alguna manera ya estaban comprobadas», comentó la productora.

«Es una película que no está hecha con iPhones arbitrariamente. Lo que Marcelo hizo de manera muy inteligente fue haber escrito el guion desde su estructura pensando en que iba a ser filmado con teléfonos celulares. Entonces ya adquiere una connotación no solo técnica sino también estilística», comenta el actor. 

«Hay cosas que conectan en todas partes como la relaciones conflictivas que se tienen en la primaria. La gente tiene mucha cercanía con la película».

Oso Polar es una propuesta que tiene que ver con cómo los materiales que se capturan a diario en dispositivos celulares, conectan con la memoria. «Nosotros vamos cargando nuestras pequeñas historias en el celular, en nuestro bolsillo. De alguna manera estamos acostumbrados a tener estos materiales, a verlos e intercambiarlos. Era ver cómo estas películas determinan el pasado, cómo ejercen poder en el presente y cómo cinematográficamente adquieren un punto de vista objetivo cuando se vuelven el statement de la narrativa de una película», agrega Busto. 

Humberto Busto y Elsa Reyes

Sobre el reto que como actor fue estar en una película grabada con celulares, Humberto Busto comentó que se trató de experimentar la naturalidad de sentir que no estaba actuando en una película. «Me dejé llevar por esa sensación. Estaba como una esponja recibiendo todo lo que hacía y lo que sucedía en la calle. Fue una posibilidad muy orgánica de irrumpir la realidad y tomar elementos de ahí. El trabajo actoral era lograr que pareciera improvisado aunque todo estuviera estructurado. La única escena improvisada fue la escena medular de la película, que es la que sucede en la terraza donde participó un colectivo de artes escénicas del Faro».  

«Heriberto no es bueno, no es malo, sino un ser humano que está lidiando con sus propias emociones». 

La película ha viajado a distintos festivales y aunque la historia tiene lugar en el contexto mexicano, toca temas que provocan una reflexión sobre los mecanismos de dominación y abuso que vienen desde la infancia. «En general la gente se conecta con la película en otras latitudes. Hay cosas que conectan en todas partes como la relaciones conflictivas que se tienen en la primaria. La gente tiene mucha cercanía con la película. Parece que toca temas universales», comenta Elsa Reyes. 

«Lo que siempre pasa con el público en México, es que cuando empieza a ver la película tiene una actitud relajada y desenfadada. Luego hay una sensación de incomodidad. De alguna manera, se hace notoria esta respuesta de no pasada nada, cuando pasa mucho y se revela una oscuridad que ignoramos y que tenemos que seguir trabajando. Si en etapas del desarrollo humano no se logran resolver traumas de la infancia, se llevan a la edad adulta y en puestos de poder, se recrudecen«, comenta Humberto. 

Humberto Busto, Elsa Reyes e Isabel Toledo

Para el actor mexicano, recientemente nominado al Premio Ariel por su destacada interpretación (la cual le valió una mención especial en el Festival de Cine de Morelia) el personaje de Heriberto, fue un regalo que le hizo el director. «Tenía que ver con la posibilidad de construir un personaje que fuera humano, que fuera profundo y que fuera complejo. Se trató de hacer un personaje homosexual que estuviera alejado de lo caricaturesco y artificial«.

«Lo que pasa con el público en México, es que cuando empieza a ver la película tiene una actitud desenfadada. Luego hay una sensación de incomodidad».

Agregó diciendo que México vive una situación particular donde la violencia se ha normalizado: En este país estamos acostumbrados al verbo «chingar»: chinga quedito, chinga tu madre, ya nos chingamos. Nuestro imaginario está basado en ese verbo y me parece muy violento. Nos estamos acostumbrando a un nivel de violencia que muchas veces no estamos conscientes, como de nuestras acciones, de nuestras palabras». 

Pero no todo es desesperanza y la reflexión más importante de Oso Polar, es hacer conscientes los procesos sociales que se han vuelto costumbres en un periodo de violencia donde la dignidad humana se está extraviando. «Habla de esta incapacidad que muchas veces tenemos de enfrentarnos a nosotros mismos. De poder cambiar las cosas para no crecer en ambientes donde en teoría somos super cuates pero en la realidad te estoy chingando. Lo que le sucede a Heriberto en la historia me parece entrañable; él no queriendo llegar a donde llegó, acabo haciendo algo terrible y se da cuenta de ello. Pero tenemos que darnos cuenta de que hay lugares donde la gente no se chinga, donde no está padre que le grites cosas ofensivas a las mujeres en la calle. Hay una reflexión emocional muy importante en Oso polar».

Humberto Busto cerró su participación contando que el mayor halago que ha recibido es que su personaje sea visto como un ser humano. «Heriberto no es bueno, no es malo, sino un ser humano que está lidiando con sus propias emociones, con su pasado. Está tratando de pertenecer y no logra pertenecer nunca. Esa construcción interna, la gente la percibe y la verbaliza en los debates. Es lo que más me conmueve. Yo no he sido Heriberto, yo de hecho fui el bulleador«. 

La productora y el actor agradecieron al público asistente y Busto comentó que su cortometraje como director, Julkita (II Programa Diversidad Sexual) participará en el Ciclo de Diversidad Sexual del Centro Educativo Truper, el próximo sábado 30 de junio a las 15:30 horas.

Compartimos el video mensaje de Marcelo Tobar y videos del cine debate: 





/ Redacción



¿Qué implica ser homosexual en una tierra agreste y conservadora, alejada de las ideas más progresistas que se viven en el México del siglo XXI? Esa es la tesis que Óliver Rendón se planteó al comienzo de su carrera como director de cine en su natal Hermosillo, con el cortometraje En tierra de vaqueros (2013). En ese documental consiguió hacer un compilado de honestos testimonios de gays y lesbianas sonorenses, que hablaron frente a la cámara de la vulnerabilidad que implica vivir una vida acorde a las propias convicciones en un Estado, como Sonora, que sigue acostumbrado a los intercambios amorosos tradicionales.

 «Loving South representó para mí la transición del documental a la ficción». 


Gracias a los buenos resultados conseguidos para abrir los espacios de expresión a aquellos que siguen viviendo desde el clóset, Rendón continuó su trabajo como cineasta explorando los claroscuros de la homosexualidad en un segundo cortometraje, Loving South, que nuevamente logró buenas críticas en varios Festivales de México durante 2017 y haciéndose acreedor al premio del Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Loving South es un proceso integral de escritura y visualización al lado del fotógrafo Julio Llorente, en la que confluye una sentida historia que logró capturar la imaginación de los públicos internacionales al ser seleccionada en el Short Film Station de la Berlinale.

Rendón comenta sobre la estética que logró desarrollar y las reacciones obtenidas por el público: “Este corto es intenso, pues hay una parte del público que no lo entiende, pero aquellos que lo entienden se conmueven; se fascinan. Les encanta haber entendido el tema profundo que se agazapa en la narrativa. Por ejemplo, en las proyecciones, cuando me encuentro en la sección de preguntas y respuestas, siempre me piden que explique mí corto. Yo sonrío y argumento que en realidad, es de interpretación libre porque así se pensó desde un principio. Otros reaccionan distinto, como cuando el cortometraje ganó el Festival de Guanajuato; uno de los jueces escribió que la historia no sólo hablaba de las fronteras física entre dos países, sino de los límites de opresión imposibles de derribar entre los seres humanos”, explica Óliver Rendón.


“Hermosillo es una sociedad muy conservadora. Viví enclosetado mucho tiempo de mi vida y el clóset para mí hoy es un lugar al que nunca quisiera regresar». 

Loving South cuenta la historia de un minuteman, un guardia civil en la frontera de Estados Unidos y México que trabaja conteniendo el flujo de migrantes mexicanos que intentan cruzar la frontera hacia Estados Unidos. Lo que podría pensarse como una historia de persecución entre “bad” y “good hombres”, termina por dar una sutil pero potente vuelta de tuerca, entre el amor imposible que surge entre dos hombres, destinados a una separación irremediable.



 “Loving South” representó para mí la transición del documental (En tierra de vaqueros) a la ficción, a partir de la historia de Adam, este minuteman que ha vivido su vida en el clóset, pero que vibra de deseo por un hombre. o que cuestiona sus propias elecciones de vida. Haber llegado a la narrativa que desarrollé implicó hacer sacrificios, por ejemplo, en un inicio la historia era muy larga y ambiciosa, pero mientras estuve en el taller de la Berlinale entendí que debía reducirla a una narración con un ritmo más íntimo. La idea inicial era el minuteman, con un hijo que a su vez estaba enamorado de otro hombre; en medio de ello se van de cacería de migrantes y ocurrían varias cosas donde aparecían todos estos migrantes y sus particularidades, había una gran persecución en el desierto y cosas así, pero en términos de producción era muy ambicioso así que tuve que reducirla”.

«El verdadero protagonista es el dilema moral de este hombre. Lo interesante era fotografiar el desierto como ese reflejo».

El cineasta cuenta que su historia personal como hermosillense ha marcado su cine y las inquietudes que tiene por las narrativas que le interesa contar. “Hermosillo es una sociedad muy conservadora. Viví enclosetado mucho tiempo de mi vida y el clóset para mí hoy es un lugar al que nunca quisiera regresar; un lugar donde no me gustaría ver a nadie. Es un lugar asfixiante, horrible que logré recrear en este corto, porque hay algo de mi alma que se expía cada vez que escribo una de estas historias de clóset; lugar en el que estuve mucho tiempo y al que no quiero regresar. Desde En tierra de vaqueros había esta necesidad de vomitar todo lo que me reprimía para liberar mi alma”.


“Con el personaje de Adam, el minuteman, lo que yo quería retratar era la historia de un hombre de intenso conflicto interior, con muchos problemas para poder dejar fluir las situaciones que está viviendo, al grado incluso de terminar por darse un beso a sí mismo en su reflejo. En ese momento de gran dramatismo, Adam escucha “No puedo olvidarlo” de la cantante Marisela creando una atmósfera contrastante, pero al mismo tiempo enternecedora. Para mí Marisela es una cantante que es un icono gay. Así que quise que el actor que interpreta a Adam la escuchara como parte de la acción dramática. La idea era provocar algo inesperado, pero que al final resultara el principal vínculo con su amante mexicano. Más que verla como una canción que hablara literalmente del momento que estaba viviendo el personaje, la vi como una canción perfecta para el sentimiento de ese instante casi eterno”.

Amat Escalante y Luis Ospina en el Festival de Cine del Desierto

Si la música es un componente indispensable de la narrativa, el desierto resulta también otro personaje que juega un papel fundamental en Loving South. Simbólicamente el desierto puede representar muchas cosas, pero en esta historia se vuelve una presencia de distancia, vastedad y vacío; por lo que en la fotografía aparece de una forma distinta a otras historias ya que, en vez de mostrar el clásico desierto incandescente e impenetrable, Julio Llorente vino con la idea de presentar toda la trama en la noche.

Llorente cuenta que buscaba retratar al desierto no de la manera en la que se había hecho antes dándole un dramatismo central: “El verdadero protagonista es el dilema moral de este hombre. Lo interesante era fotografiar el desierto como ese reflejo; entonces había que irse al contrario de lo que se sabe comúnmente sobre él, es decir, siempre se hace en panorámico, planos muy abiertos, mostrando la sensación de calor, el sol cenital. Más bien nos centramos en un formato encuadrado de plano cerrado hacia un close up constante sobre el protagonista con una fuerte sensación de soledad”.

«Pienso que de alguna manera a los hermosillenses les gustará verse reflejados en mi cine». 

Julio Llorente, cinefotógrafo de Loving South

Director y fotógrafo cuentan que su principal referencia para la puesta en escena fue el cine de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne: “No a nivel fotográfico sino en el sentido de entender cómo la cámara registra un movimiento coreográfico con el actor. La idea fue realizar un plano secuencia de 6 minutos que siguiera la entrada y salida de Adam. En edición no hubo esta magia, así que nos salimos a hacer unas tomas más y fue el editor Lenz Claure (también editor de Cómprame un revólver de Julio Hernández Córdón, filmada también en Hermosillo), quien al final logró darle sentido dramático y funcionó muy bien. Si bien hay un corte, estuvo básicamente filmado como plano secuencia y cuando Julio me propuso hacer ese movimiento para plantear el recorrido que hace el personaje, me pareció una muy buena solución y se lo plantee al actor y a él también le gustó mucho la idea. Yo le otorgo a Julio mucho del crédito de Loving South porque se construyó a partir de sus ojos, aunque el corazón del corto es mío”. Rendón cierra la idea comentando que su gran pasión como director, son los actores y que fue el trabajo de Julio la clave en la estética del cortometraje.

«El Festival de Cine en el Desierto nació por la necesidad de abrir un espacio de exhibición de un cine que de otra manera no llegaría al norte de México».

Fernando Álvarez Rebeil, director artístico del Festival de Cine del Desierto

Además de director de cine, Óliver Rendón es también el director del Festival de Cine en el Desierto en Hermosillo junto con el actor y productor Fernando Álvarez Rebeil con quien le dio un nuevo giro: “El proyecto nació por la necesidad de abrir un espacio de exhibición de un cine que de otra manera no llegaría al norte de México. Al principio fue difícil porque la gente veía películas cubanas o peruanas y se salía. Ahora es diferente, contamos con un teatro de 500 butacas donde tuvimos llenos totales. Hemos llevado a Nicolás Pereda, Matías Piñeiro, Julio Hernández Cordón, Martin Bregman, con un tipo de cine difícil de ver, pero el público ahora sabe que va a asistir a un tipo de cine que le va a sorprender y así se va creando un público que se va interesando por otras perspectivas de vida”.

«Yo le otorgo al fotógrafo mucho del crédito de Loving South porque se construyó a partir de sus ojos, aunque el corazón del corto es mío”.

Loving South continúa su gira por Festivales en otros países como Cannes gracias a “Guanajuato goes to Cannes” y en el Festival de Cine de Berlín XPOSED como parte del programa “Cuerpos, Juegos y Territorios” del Programa Diversidad Sexual + Morelia.


Inspirado en los diálogos de las películas de cineastas como Ingman Bergman y Woody Allen, Rendón se encuentra escribiendo su primer largometraje: “Este proyecto intentará mostrar el elemento outcast de la sexualidad que puede llegar a ser lo queer. Maneja un romance entre dos personas y hay un tema de clóset de un hombre casado en un Hermosillo muy conservador. Vuelvo a situar mi historia en Hermosillo, pues me he enfrentado con su público con mis cortos y pienso que de alguna manera les gustará verse reflejados en mi cine”. Concluyó el cineasta.

«Oso Polar» en Curazao

Oso Polar (2017) ganó el premio a Mejor Largometraje Mexicano en el XV FICM y hoy es parte de la selección oficial del Festival Internacional de Cine Curazao de Rotterdam  que se llevará a cabo del 11 al 15 de abril de presente año.

Esta película, la primera mexicana en ser filmada con un iPhone, puede enmarcarse dentro del género de las road movie o el terror psicológico. Escrita, producida y dirigida por Marcelo Tobar, Oso Polar nos invita a reflexionar sobre temas de gran trascendencia en la actualidad como el bullying, la discriminación, la represión y el rechazo a aquello que es distinto a lo que la sociedad marca como «normal».

Yo le llamo cine guerrilla: cine que se hace de manera independiente y que está relegado en los márgenes«

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Foto: Facebook @osopolarpelicula

Este filme denuncia cómo la homofobia es una problema cultural que se manifiesta en todas las clases sociales en México.  Según lo dijo Tobar en una entrevista con Silvestre López Portillo: «Esta película trata sobre la venganza ante el bullying sufrido en la infancia. Ir a una reunión generacional es una terapia de grupo muy intensa y muy cañona (…) Todos podemos identificarnos con ese sentimiento de querer golpear a quienes nos bullearon de niños. Pero era necesario contar esta parte de una manera justa (…) Todo el mundo tiene su visión de las cosas. No hay buenos ni malos.  Los mismos bullies son buleados.» Añadió que todos los personajes tienen deseo a pertenecer: «La religión es un nicho que, si estás abierto, te chupa y eso es lo que le sucede al protagonista«.

En Oso Polar, tres ex compañeros de primaria se reencuentran para asistir a una reunión de generación cuya sede se ubica al otro lado de la enorme Ciudad de México. Heriberto (Humberto Busto) decide recoger  a Flor (Verónica Toussaint) y a Trujillo (Christian Magaloni), a quienes no ve desde hace años. Durante el trayecto, ambos recuerdan las “divertidas” pero crueles bromas con las que acosaban a Heriberto debido a su incipiente homosexualidad. A través del desarrollo de esta historia, las situaciones se van haciendo cada vez más tensas hasta terminar inmersas en una trama vertiginosa donde conviven la venganza y el perdón.

«No hay pretexto para no filmar»

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Fotograma: «Oso Polar», IMDb

Humberto Busto, el actor protagónico, recibió una mención honorífica en el Festival Internacional de Cine de Morelia por su excelente interpretación en este film. En una entrevista con Gonzalo Lira de Cinema Móvil, el actor afirma que  «El punch que tiene esta película es justamente hacer una disección sobre esta capacidad o la poca capacidad que tenemos para evolucionar, para crecer. En donde claro, sí, todos tenemos ese deseo de que ocurra, pero en la realidad no sucede de la misma manera«.

El rodaje de Oso polar fue posible gracias a que su director se atrevió a buscar atrevidas soluciones para solventar la falta de recursos. En una entrevista con Vicente Gutiérrez para El Economista, el director explicó:  Yo le llamo «cine guerrilla»: cine que se hace de manera independiente y que está relegado en los márgenes. Y uno de los mayores retos fue que no teníamos ningún referente cuando en 2014 comencé a escribir el guion. Ya cuando salió Tangerine (Sean Baker, 2015) supe que no estaba tan loco. También queríamos que no se viera como un videohome; pero al filmar con un iPhone fue más sencillo entrar en lugares donde con otro tipo de cámaras no llegarías. La gente interactuaba sin saber que estaba en una película y todo eso te da una naturalidad”.

«Una trama vertiginosa donde conviven la venganza y el perdón»

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Póster: IMDb

Esta película no contó con ningún apoyo oficial. Los poco más de doscientos mil pesos se consiguieron mediante una fondeadora en la que apoyaron 124 personas, además de las aportaciones del propio director: «No hay pretexto para no filmar» afirmó Tobar.


Fuentes: El Economista; Cinema Movil; Tv UDLAP; Facebook @osopolarpelicula; IMDb; Reporte Indigo.


/ SA

Teddy Awards 2018

By: Frida Bárbara Monjarás

The Teddy Award is a recognition that has been given in the context of the Berlin International Film Festival (Berlinale) for 32 years to LGBT + themed films.

In the still divided Germany of the 1980s, homosexual men and lesbian women suffered from high levels of marginalization, violence and discrimination. For this reason, the filmmakers Wieland Speck and Manfred Salzgeber organized an alternate jury and created an award to advocate for the LGBT community in the film industry. In 1987, the Teddy Award was handed for the first time to La ley del deseo, by Pedro Almodóvar as Best Film and to Five Ways to Kill Yourself and My New Friend, by Gus Van Sant for Best Short Film. And it was not until 1992 that the Teddy Award was officially recognized by the Berlinale.

«As long as homosexuality is threatened in some parts of the world with capital punishment […] the Teddy Prize also has a political meaning and of responsibility.»

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Currently the Teddy awards the most outstanding that is presented in all sections of the Berlinale, from the short films and documentaries, to the films that make up the main competition. It is coordinated by the Panorama section of the Berlinale, headed by Paz Lázaro, dedicated to show innovative films, and whose content and form are audacious.

However, the Teddy has not lost its political essence and recognizes itself as an award that seeks social equality, as expressed in its official website: «While homosexuality is threatened in some parts of the world with capital punishment and even in cities like Berlin where a homophobic power is shown on the agenda, the Teddy Prize also has a political meaning and of responsibility

John Hurt, Julián Hernández. Courtesy  Teddy Award

The Mexican filmmaker, Julián Hernández has been awarded the Teddy Prize twice, the first in 2003 for Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor and the second in 2009 for Rabio sol, rabioso cielo. Other filmmakers who have been awarded the Teddy are Todd Haynes, François Ozon, Sebastian Lelio, among others.

In the 32nd edition of Teddy, in a ceremony held today, the jury, in which Antonio Harfuch Álvarez participates, presented the Teddy prizes chosen from among more than 40 selected films.

The Teddy Award for Best Feature was for the Brazilian film Tinta Bruta, by Marcio Reolon and Filipe Matzembacher, which was part of the Panorama section. It’s a film about virtual reality and the real world. What are we? Who do we want to be? What appearance do we give on the Internet? These are essential questions that this film poses to us.

«The Teddy Award to the work of fiction […] is for the story of a child who reconnects with the real world. In a cinematically unique and creative way, the film captures the fierce struggle between fear and desire. «

Tinta Bruta
Tinta Bruta, by Marcio Reolon and Filipe Matzembacher

The jury decided: «The Teddy Award for the work of fiction goes to a movie that tells the story of a child who reconnects with the real world. In a cinematically unique and creative way, the film captures the fierce struggle between fear and desire. Music, lights and colors culminate in a pure expression of the main character’s feelings, gradually becoming his means to reconcile body, heart and soul. For his incredible achievements as a director and his tremendous cast, the jury is proud to award the Teddy to Tinta Bruta.»

Bixa Travesty, by Claudia Priscilla and Kiko Goifman, was awarded a Teddy for Best Documentary because «it introduces us to an exceptional woman. Her curiosity and the many different ways of expressing herself are more than inspiring. She is an artist, performer, a good friend, a musician, a family person, an artist. With the beauty of sounds, the aesthetics of images, the film takes us on a journey of self-determination between fantasy and self-care.»

Bixa Travesty, de Claudia Priscilla y Kiko Goifman,
Bixa Travesty, by Claudia Priscilla and Kiko Goifman.

The Teddy for Best Short Film was for Three Centimetres, by Lara Zeidan, «The Lebanese film director makes a sensitive and intimate portrait of four young friends on a Ferris wheel in Beirut. We share her emotional walk of sexual understanding, which goes from being the jovial discussion of virginity and a nervous outlet of homosexuality. As we listen, we realize that these young women are beginning to explore many layers of their identities and that of others. We are aware of a crucial episode in his life, in which a queer individual must claim and defend his right to exist. Lara Zeidan captures this delicate moment in adolescence with subtle and tender performances at the same time.»

Three Centimetres, de Lara Zeidan
Three Centimetres, by Lara Zeidan

The Teddy Jury Award went to the Greek director Evangelia Kranioti for Obscuro Barroco, for being a «film that transports us to a city that is vibrant and surreal, a carnival of dreams and nightmares, seen through the eyes of its Queer icon. The director’s impressive singular vision attracts the audience with a remarkable cinematography and a great sound design, what makes the film an exceptionally poetic and intimate story, and an outstanding artistic achievement.»

Obscuro Barroco, de Evangelia Kranioti 
Obscuro Barroco, by Evangelia Kranioti

The L’Oreal and the Mannschaft Readers’ Award were also awarded. The L’Oreal Award was given to Retablo, by Álvaro Delgado-Aparicio for being «an incredibly mature, moving and considered debut. This film moved each and every one of us, through its considered, expert and artistic cinematography, in its exquisite use of color, its cinematography, its composed direction and, in particular, the powerful and nuanced interpretations of this father -son relationship. This film perfectly relates the moment of realizing that his father is an imperfect human, the trauma that this brings and, ultimately, the acceptance of them as imperfect beings.» The Mannschaft Readers’ Award was handed to Las Herederas  by Marcelo Martinessi because the movie has a «visually stunning cinematography and an exceptional cast, and he guides his audience through the life of a woman who finds an avenue to love and for herself, despite all the problems and crises. He weaves her story gently and gives the characters the space they need to grow.»


Once again, Teddy awards films that speak to us, without concessions, about human richness through courageous and fresh cinematography.


Sources: Berlin International Film Festival, Teddy Award, Teddy Blog, Variety.